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Sunday, August 2, 2026
Monday, July 27, 2026
James Spaulding & Pierre Christophe • Down With It Live At The Sunside
Biography
James Spaulding, has established his reputation as a masterful soloist for ensemble performances, and for many years was among the busier sidemen for Blue Note Records. An exceptional saxophonist and flutist, he is one of the many fine artists to come out James has worked with Sun Ra, Freddie Hubbard, Max Roach, and more...of the Indianapolis, Indiana area. James is a modernist, with solid roots in classical jazz; his saxophone style is an extension of the Charlie Parker influence, but his overall concept incorporates much of the broad jazz saxophone heritage.
Spaulding's musical training started early, as he came from a musical family in his place of birth Indiana (his father was a professional musician who played the guitar and led his own big band, traveling throughout the country). James began playing a bugle when he was in grade school. He later took up the trumpet and saxophone on his own, and while in high school studied clarinet. He made his professional debut playing around Indianapolis with a rhythm "n" blues group. He has performed as a sideman and been recorded on over 100 recordings... See discography »
From 1954 to 1957, Spaulding was in the army playing in service bands. When he was discharged, he settled in Chicago where he performed in clubs leading his own group, and had a stay with the Sun Ra Orchestra. He also furthered his flute studies there at the Chicago Cosmopolitan School of Music. In 1962, he arrived in New York City, and subsequently was associated with notables such as Freddie Hubbard, Bobby Hutcherson, Max Roach and the Ellington Orchestra. In 1975, he received a bachelor's degree in music from Livingston College in New Jersey where he taught flute as an adjunct professor. James' daughters, Gina and Yvonne Spaulding were on the cover of his very first recording: "The Legacy of Duke Ellington," recorded in 1975. Mr. Spaulding's range of performance experiences extends nationally and internationally, from the concert stage to jazz clubs to colleges and street fairs. His original music, a suite entitled "A Song of Courage," was performed by him with full orchestra and choir at the Voorhees Chapel at the Rutgers University campus from funds awarded him by the National Endowment for the Arts. He holds a historically significant place in jazz reference books including, The Encyclopedia of Jazz in the Seventies by Leonard Feather and Ira Gitler; The New Grove Dictionary of Jazz by Brian Case and Stan Britt; The Illustrated Encyclopedia of Jazz edited by Barry Keinfeld, just to name a few.
He has performed as a sideman and been recorded on over 100 recordings.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-spaulding
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Biografía
James Spaulding, ha establecido su reputación como un solista magistral para actuaciones de conjunto, y durante muchos años estuvo entre los sidemen más ocupados para Blue Note Records. Excepcional saxofonista y flautista, es uno de los muchos buenos artistas que han salido James ha trabajado con Sun Ra, Freddie Hubbard, Max Roach, y más ... de la zona de Indianápolis, Indiana. James es un modernista, con sólidas raíces en el jazz clásico; su estilo de saxofón es una extensión de la influencia de Charlie Parker, pero su concepto general incorpora gran parte de la amplia herencia del saxofón de jazz.
La formación musical de Spaulding comenzó pronto, ya que procedía de una familia de músicos de su lugar de nacimiento, Indiana (su padre era un músico profesional que tocaba la guitarra y dirigía su propia big band, con la que viajaba por todo el país). James empezó a tocar la corneta cuando estaba en primaria. Más tarde tocó la trompeta y el saxofón por su cuenta, y en el instituto estudió clarinete. Debutó profesionalmente tocando en Indianápolis con un grupo de rhythm "n" blues. Ha actuado como músico de acompañamiento y ha participado en más de 100 grabaciones... Ver discografía "
De 1954 a 1957, Spaulding estuvo en el ejército tocando en bandas de servicio. Cuando fue licenciado, se instaló en Chicago, donde actuó en clubes al frente de su propio grupo, y tuvo una estancia con la Sun Ra Orchestra. También amplió allí sus estudios de flauta en la Chicago Cosmopolitan School of Music. En 1962, llegó a Nueva York, y posteriormente se relacionó con notables como Freddie Hubbard, Bobby Hutcherson, Max Roach y la Orquesta Ellington. En 1975 se licenció en música por el Livingston College de Nueva Jersey, donde enseñó flauta como profesor adjunto. Las hijas de James, Gina e Yvonne Spaulding, aparecieron en la portada de su primera grabación: "The Legacy of Duke Ellington", grabada en 1975. El Sr. Spaulding ha actuado a escala nacional e internacional, en conciertos, clubes de jazz, universidades y ferias callejeras. Su música original, una suite titulada "A Song of Courage", fue interpretada por él mismo con orquesta completa y coro en la Capilla Voorhees del campus de la Universidad de Rutgers con fondos que le concedió la National Endowment for the Arts. Ocupa un lugar de importancia histórica en libros de referencia sobre jazz, como The Encyclopedia of Jazz in the Seventies (La enciclopedia del jazz en los años setenta), de Leonard Feather e Ira Gitler; The New Grove Dictionary of Jazz (El nuevo diccionario Grove del jazz), de Brian Case y Stan Britt; The Illustrated Encyclopedia of Jazz (La enciclopedia ilustrada del jazz), editada por Barry Keinfeld, por nombrar sólo algunos.
Ha actuado como músico de acompañamiento y ha participado en más de 100 grabaciones.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-spaulding
Sunday, July 26, 2026
Herbie Mann • Plays The Roar of the Greasepaint & The Smell of the Crowd
Review by Scott Yanow
On this out of print LP, flutist Herbie Mann performs 11 songs from a famous Leslie Bricusse-Anthony Newley musical. Joined by an orchestra arranged by Ray Ellis (and including either Chick Corea or Roger Kellaway on piano), Mann plays well enough. However, the only one of the 11 songs remembered today is "Who Can I Turn To," and the renditions of the material are so brief (only two songs are longer than three minutes) as to be unadventurous and rather superficial. One of Mann's less significant projects of the '60s.
https://www.allmusic.com/album/the-roar-of-the-greasepaint-the-smell-of-the-crowd-mw0000901394
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Reseña de Scott Yanow
En este LP agotado, el flautista Herbie Mann interpreta 11 canciones de un famoso musical de Leslie Bricusse-Anthony Newley. Acompañado por una orquesta arreglada por Ray Ellis (e incluyendo a Chick Corea o Roger Kellaway en el piano), Mann toca bastante bien. Sin embargo, la única de las 11 canciones que se recuerdan hoy en día es "Who Can I Turn To", y las interpretaciones del material son tan breves (sólo dos canciones duran más de tres minutos) que no son aventureras y son bastante superficiales. Uno de los proyectos menos significativos de Mann de los años 60.
https://www.allmusic.com/album/the-roar-of-the-greasepaint-the-smell-of-the-crowd-mw0000901394Saturday, July 25, 2026
Milt Jackson • Bags & Flutes
Biography by Scott Yanow
Before Milt Jackson, there were only two major vibraphonists: Lionel Hampton and Red Norvo. Jackson soon surpassed both of them in significance and, despite the rise of other players (including Bobby Hutcherson and Gary Burton), still won the popularity polls throughout the decades. Jackson (or "Bags" as he was long called) was at the top of his field for 50 years, playing bop, blues, and ballads with equal skill and sensitivity. In its essence, Jackson did for the vibes what Dizzy Gillespie did for the trumpet -- revolutionize its approach. He slowed the speed on the instrument's oscillator, changed its vibrato and perfected slow, cleverly paced blues solos. His floating solos with long, sustained notes and darting rhythms became a bop staple. A former singer, guitarist and pianist, Jackson was an extremely versatile player, cutting big-band dates, working with orchestras, and fighting to maintain a successful solo career yet retain his ties with the Modern Jazz Quartet, the group he co-founded with pianist John Lewis in 1952.
Milt Jackson started on guitar when he was seven, and piano at 11; a few years later, he switched to vibes. He actually made his professional debut singing in a touring gospel quartet. After Dizzy Gillespie discovered him playing in Detroit, he offered him a job with his sextet and (shortly after) his innovative big band (1946). Jackson recorded with Gillespie, and was soon in great demand. During 1948-1949, he worked with Charlie Parker, Thelonious Monk, Howard McGhee, and the Woody Herman Orchestra. After playing with Gillespie's sextet (1950-1952), which at one point included John Coltrane, Jackson recorded with a quartet comprised of John Lewis, Percy Heath, and Kenny Clarke (1952), which soon became a regular group called the Modern Jazz Quartet. Although he recorded regularly as a leader (including dates in the 1950s with Miles Davis and/or Thelonious Monk, Coleman Hawkins, John Coltrane, and Ray Charles), Milt Jackson stayed with the MJQ through 1974, becoming an indispensable part of their sound. By the mid-'50s, Lewis became the musical director and some felt that Bags was restricted by the format, but it actually served him well, giving him some challenging settings. And he always had an opportunity to jam on some blues numbers, including his "Bags' Groove." However, in 1974, Jackson felt frustrated by the MJQ (particularly financially) and broke up the group. He recorded frequently for Pablo in many all-star settings in the 1970s, and after a seven-year vacation, the MJQ came back in 1981. In addition to the MJQ recordings, Milt Jackson cut records as a leader throughout his career for many labels including Savoy, Blue Note (1952), Prestige, Atlantic, United Artists, Impulse, Riverside, Limelight, Verve, CTI, Pablo, Music Masters, and Qwest. He died of liver cancer on October 9, 1999, at the age of 76.
https://www.allmusic.com/artist/milt-jackson-mn0000489845#biography
Before Milt Jackson, there were only two major vibraphonists: Lionel Hampton and Red Norvo. Jackson soon surpassed both of them in significance and, despite the rise of other players (including Bobby Hutcherson and Gary Burton), still won the popularity polls throughout the decades. Jackson (or "Bags" as he was long called) was at the top of his field for 50 years, playing bop, blues, and ballads with equal skill and sensitivity. In its essence, Jackson did for the vibes what Dizzy Gillespie did for the trumpet -- revolutionize its approach. He slowed the speed on the instrument's oscillator, changed its vibrato and perfected slow, cleverly paced blues solos. His floating solos with long, sustained notes and darting rhythms became a bop staple. A former singer, guitarist and pianist, Jackson was an extremely versatile player, cutting big-band dates, working with orchestras, and fighting to maintain a successful solo career yet retain his ties with the Modern Jazz Quartet, the group he co-founded with pianist John Lewis in 1952.
Milt Jackson started on guitar when he was seven, and piano at 11; a few years later, he switched to vibes. He actually made his professional debut singing in a touring gospel quartet. After Dizzy Gillespie discovered him playing in Detroit, he offered him a job with his sextet and (shortly after) his innovative big band (1946). Jackson recorded with Gillespie, and was soon in great demand. During 1948-1949, he worked with Charlie Parker, Thelonious Monk, Howard McGhee, and the Woody Herman Orchestra. After playing with Gillespie's sextet (1950-1952), which at one point included John Coltrane, Jackson recorded with a quartet comprised of John Lewis, Percy Heath, and Kenny Clarke (1952), which soon became a regular group called the Modern Jazz Quartet. Although he recorded regularly as a leader (including dates in the 1950s with Miles Davis and/or Thelonious Monk, Coleman Hawkins, John Coltrane, and Ray Charles), Milt Jackson stayed with the MJQ through 1974, becoming an indispensable part of their sound. By the mid-'50s, Lewis became the musical director and some felt that Bags was restricted by the format, but it actually served him well, giving him some challenging settings. And he always had an opportunity to jam on some blues numbers, including his "Bags' Groove." However, in 1974, Jackson felt frustrated by the MJQ (particularly financially) and broke up the group. He recorded frequently for Pablo in many all-star settings in the 1970s, and after a seven-year vacation, the MJQ came back in 1981. In addition to the MJQ recordings, Milt Jackson cut records as a leader throughout his career for many labels including Savoy, Blue Note (1952), Prestige, Atlantic, United Artists, Impulse, Riverside, Limelight, Verve, CTI, Pablo, Music Masters, and Qwest. He died of liver cancer on October 9, 1999, at the age of 76.
https://www.allmusic.com/artist/milt-jackson-mn0000489845#biography
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Biografía de Scott Yanow
Antes de Milt Jackson, sólo había dos grandes vibrafonistas: Lionel Hampton y Red Norvo. Jackson pronto superó a ambos en importancia y, a pesar del auge de otros intérpretes (entre ellos Bobby Hutcherson y Gary Burton), siguió ganando las encuestas de popularidad a lo largo de las décadas. Jackson (o «Bags», como se le llamó durante mucho tiempo) estuvo en la cima de su campo durante 50 años, tocando bop, blues y baladas con igual habilidad y sensibilidad. En esencia, Jackson hizo por el vibráfono lo que Dizzy Gillespie hizo por la trompeta: revolucionar su enfoque. Redujo la velocidad del oscilador del instrumento, cambió su vibrato y perfeccionó los solos de blues lentos y de ritmo inteligente. Sus solos flotantes con notas largas y sostenidas y ritmos vertiginosos se convirtieron en un elemento básico del bop. Jackson, que había sido cantante, guitarrista y pianista, era un músico extremadamente versátil, que tocaba con big bands, trabajaba con orquestas y luchaba por mantener una exitosa carrera en solitario y, al mismo tiempo, conservar sus vínculos con el Modern Jazz Quartet, el grupo que cofundó con el pianista John Lewis en 1952.
Milt Jackson empezó a tocar la guitarra a los siete años y el piano a los once; unos años más tarde, se pasó al vibráfono. En realidad, debutó profesionalmente cantando en un cuarteto de gospel de gira. Cuando Dizzy Gillespie le descubrió tocando en Detroit, le ofreció trabajar con su sexteto y (poco después) con su innovadora big band (1946). Jackson grabó con Gillespie y pronto estuvo muy solicitado. Durante 1948-1949, trabajó con Charlie Parker, Thelonious Monk, Howard McGhee y la Woody Herman Orchestra. Después de tocar con el sexteto de Gillespie (1950-1952), que en un momento dado incluyó a John Coltrane, Jackson grabó con un cuarteto formado por John Lewis, Percy Heath y Kenny Clarke (1952), que pronto se convirtió en un grupo fijo llamado Modern Jazz Quartet. Aunque grabó regularmente como líder (incluyendo fechas en los años 50 con Miles Davis y/o Thelonious Monk, Coleman Hawkins, John Coltrane y Ray Charles), Milt Jackson permaneció con el MJQ hasta 1974, convirtiéndose en una parte indispensable de su sonido. A mediados de los 50, Lewis se convirtió en el director musical y algunos pensaron que Bags se veía limitado por el formato, pero en realidad le servía bien, ya que le ofrecía algunos escenarios desafiantes. Y siempre tenía la oportunidad de improvisar en algunos números de blues, incluyendo su «Bags' Groove». Sin embargo, en 1974, Jackson se sintió frustrado por el MJQ (sobre todo económicamente) y disolvió el grupo. En la década de 1970 grabó con frecuencia para Pablo en muchos grupos de estrellas y, tras unas vacaciones de siete años, el MJQ regresó en 1981. Además de las grabaciones del MJQ, Milt Jackson grabó discos como líder a lo largo de su carrera para muchos sellos, como Savoy, Blue Note (1952), Prestige, Atlantic, United Artists, Impulse, Riverside, Limelight, Verve, CTI, Pablo, Music Masters y Qwest. Murió de cáncer de hígado el 9 de octubre de 1999, a la edad de 76 años.
https://www.allmusic.com/artist/milt-jackson-mn0000489845#biography
Antes de Milt Jackson, sólo había dos grandes vibrafonistas: Lionel Hampton y Red Norvo. Jackson pronto superó a ambos en importancia y, a pesar del auge de otros intérpretes (entre ellos Bobby Hutcherson y Gary Burton), siguió ganando las encuestas de popularidad a lo largo de las décadas. Jackson (o «Bags», como se le llamó durante mucho tiempo) estuvo en la cima de su campo durante 50 años, tocando bop, blues y baladas con igual habilidad y sensibilidad. En esencia, Jackson hizo por el vibráfono lo que Dizzy Gillespie hizo por la trompeta: revolucionar su enfoque. Redujo la velocidad del oscilador del instrumento, cambió su vibrato y perfeccionó los solos de blues lentos y de ritmo inteligente. Sus solos flotantes con notas largas y sostenidas y ritmos vertiginosos se convirtieron en un elemento básico del bop. Jackson, que había sido cantante, guitarrista y pianista, era un músico extremadamente versátil, que tocaba con big bands, trabajaba con orquestas y luchaba por mantener una exitosa carrera en solitario y, al mismo tiempo, conservar sus vínculos con el Modern Jazz Quartet, el grupo que cofundó con el pianista John Lewis en 1952.
Milt Jackson empezó a tocar la guitarra a los siete años y el piano a los once; unos años más tarde, se pasó al vibráfono. En realidad, debutó profesionalmente cantando en un cuarteto de gospel de gira. Cuando Dizzy Gillespie le descubrió tocando en Detroit, le ofreció trabajar con su sexteto y (poco después) con su innovadora big band (1946). Jackson grabó con Gillespie y pronto estuvo muy solicitado. Durante 1948-1949, trabajó con Charlie Parker, Thelonious Monk, Howard McGhee y la Woody Herman Orchestra. Después de tocar con el sexteto de Gillespie (1950-1952), que en un momento dado incluyó a John Coltrane, Jackson grabó con un cuarteto formado por John Lewis, Percy Heath y Kenny Clarke (1952), que pronto se convirtió en un grupo fijo llamado Modern Jazz Quartet. Aunque grabó regularmente como líder (incluyendo fechas en los años 50 con Miles Davis y/o Thelonious Monk, Coleman Hawkins, John Coltrane y Ray Charles), Milt Jackson permaneció con el MJQ hasta 1974, convirtiéndose en una parte indispensable de su sonido. A mediados de los 50, Lewis se convirtió en el director musical y algunos pensaron que Bags se veía limitado por el formato, pero en realidad le servía bien, ya que le ofrecía algunos escenarios desafiantes. Y siempre tenía la oportunidad de improvisar en algunos números de blues, incluyendo su «Bags' Groove». Sin embargo, en 1974, Jackson se sintió frustrado por el MJQ (sobre todo económicamente) y disolvió el grupo. En la década de 1970 grabó con frecuencia para Pablo en muchos grupos de estrellas y, tras unas vacaciones de siete años, el MJQ regresó en 1981. Además de las grabaciones del MJQ, Milt Jackson grabó discos como líder a lo largo de su carrera para muchos sellos, como Savoy, Blue Note (1952), Prestige, Atlantic, United Artists, Impulse, Riverside, Limelight, Verve, CTI, Pablo, Music Masters y Qwest. Murió de cáncer de hígado el 9 de octubre de 1999, a la edad de 76 años.
https://www.allmusic.com/artist/milt-jackson-mn0000489845#biography
Thursday, July 23, 2026
Jethro Tull • The Zealot Gene
From jethrotull.com
About The Album
Tull
bandleader Ian Anderson holds no reservations about the role for which
the mythos and themes of Biblical storytelling played in the lyrical
content of the new album, saying:
"While I have a spot of genuine
fondness for the pomp and fairytale story-telling of the Holy Book, I
still feel the need to question and draw sometimes unholy parallels from
the text. The good, the bad, and the downright ugly rear their heads
throughout, but are punctuated with elements of love, respect, and
tenderness.”
Looking back on the earth-shaking disruption of the
Coronavirus pandemic, which ultimately ended the band’s touring plans
and hopes of a 2020 release for ‘The Zealot Gene’, Anderson shares:
"It
was so sudden. Amidst the concerns and warnings of the scientific
community and a few more enlightened politicians, we all retreated in
disbelief to our homes to wait out the storm."
https://jethrotull.com/the-zealot-gene/
///////
De jethrotull.com
Sobre el álbum
El
líder de la banda Tull, Ian Anderson, no tiene reservas sobre el papel
que el mito y los temas de la narración bíblica han desempeñado en el
contenido lírico del nuevo álbum, afirmando:
"Aunque siento
cierto cariño por la pompa y la narración de cuentos de hadas del Libro
Sagrado, también siento la necesidad de cuestionar y establecer
paralelismos, a veces impíos, con el texto. Lo bueno, lo malo y lo
francamente feo asoman la cabeza, pero salpicados de elementos de amor,
respeto y ternura".
Anderson recuerda la conmovedora interrupción
que supuso la pandemia del coronavirus, que acabó con los planes de
gira de la banda y con las esperanzas de publicar "The Zealot Gene" en
2020:
"Fue tan repentino. En medio de las preocupaciones y
advertencias de la comunidad científica y de algunos políticos más
ilustrados, todos nos retiramos incrédulos a nuestros hogares para
esperar a que pasara la tormenta".
https://jethrotull.com/the-zealot-gene/
Monday, July 6, 2026
Eric Dolphy • Outward Bound
This CD contains Eric Dolphy's complete original LP Outward Bound (Prestige/New Jazz 8236). It marks his first album as a leader, and features him in a quintet format with Freddie Hubbard on trumpet, Jaki Byard on piano, George Tucker on bass and Roy Haynes on drums. It was also the first of various collaborations between Dolphy and Hubbard. The only two alternate takes from the session, as well as an extended reading of the bluesy "R&R" recorded that same year (and on which he shares center stage with Roy Eldridge and Charles Mingus) have been added as a bonus. ERIC DOLPHY - alto sax, bass clarinet & flute; FREDDIE HUBBARD, trumpet; JAKI BYARD, piano; GEORGE TUCKER, bass; ROY HAYNES, drums Recorded Englewood Cliffs, New Jersey, April 1, 1960. Original session recorded by Rudy Van Gelder. "Sometimes sounding as if it is boiling with rage, Dolphy's music is filled with sharp, jagged lines that lift the listener as they spiral to peak after peak of raw emotional expression. This album is life". DON DeMICHEAL - ALLMUSIC "This very likable set was Eric Dolphy's first as a leader. A perfect introduction to Eric Dolphy's versatile talents, this boppish set is more accessible than many of Dolphy's more innovative recordings. Recommended." (Scott Yanow)
https://www.propermusic.com/11437-outward-bound-3-bonus-tracks.html
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Este CD contiene el LP original completo de Eric Dolphy Outward Bound (Prestige/New Jazz 8236). Es su primer álbum como líder, y lo presenta en formato de quinteto con Freddie Hubbard a la trompeta, Jaki Byard al piano, George Tucker al bajo y Roy Haynes a la batería. También fue la primera de varias colaboraciones entre Dolphy y Hubbard. Las dos únicas tomas alternativas de la sesión, así como una lectura extendida del blues "R&R" grabada ese mismo año (y en la que comparte protagonismo con Roy Eldridge y Charles Mingus) se han añadido como bonus. ERIC DOLPHY - saxo alto, clarinete bajo y flauta; FREDDIE HUBBARD, trompeta; JAKI BYARD, piano; GEORGE TUCKER, bajo; ROY HAYNES, batería Grabado en Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 1 de abril de 1960. Sesión original grabada por Rudy Van Gelder. "A veces sonando como si hirviera de rabia, la música de Dolphy está llena de líneas afiladas y dentadas que elevan al oyente a medida que se elevan en espiral hacia un pico tras otro de cruda expresión emocional. Este álbum es la vida". DON DeMICHEAL - ALLMUSIC "Este conjunto tan agradable fue el primero de Eric Dolphy como líder. Una perfecta introducción al versátil talento de Eric Dolphy, este conjunto boppish es más accesible que muchas de las grabaciones más innovadoras de Dolphy. Recomendado". (Scott Yanow)
https://www.propermusic.com/11437-outward-bound-3-bonus-tracks.html
Hōzan Yamamoto • Harlem Nocturne
Hōzan Yamamoto (山本 邦山, Yamamoto Hōzan; October 6, 1937 - February 10, 2014 in Ōtsu, Shiga prefecture) was a Japanese shakuhachi player, composer and lecturer.
Yamamoto started playing the Japanese bamboo flute shakuhachi at the age of nine. He was initially taught by his father and then by Chozan Nakanishi. After graduating from Kyoto Junior College of Foreign Studies in 1958, he participated in UNESCO's World Folk Music Festival and graduated from Seiha Music College in 1962. Together with koto player Shinichi Yuize and Tony Scott, he recorded the album Music for Zen Meditation in February 1964.
After forming the widely acclaimed "Shakuhachi Sanbon Kai" trio in 1966 with Reibo Aoki and Katsuya Yokoyama, he electrified the conservative traditional scene by applying his talents to a variety of crossover collaborations. These have led him to work with such world-renowned musicians as Ravi Shankar, Helen Merrill, Gary Peacock and Karl Berger, and also with flute colleagues Jean-Pierre Rampal and Chris Hinze.
In 1980 he was invited to the renowned Donaueschingen music festival with his trio. He recorded music for the movie Samurai Reincarnation film and the album Masters of Zen: Shakuhachi & Organ with Wolfgang Mitterer. Through the 1970s and 1980s until his death he led the shakuhachi world receiving innumerable honors, including Japanese Ministry of Cultural Affairs and Education Ministerial awards for his performances, recordings (numbering in the hundreds) and compositions. He served as lecturer at the Tokyo National University of Fine Arts and Music and as head of the Hozan-kai Shakuhachi Guild.
In 2002 he was designated Living National Treasure of Japan. In 2004, he was awarded a Medal with Purple Ribbon. In 2009, he was awarded an Order of the Rising Sun, Gold Rays with Rosette.
On February 10, 2014, he died at a hospital in Tokyo.
https://en.wikipedia.org/wiki/H%C5%8Dzan_Yamamoto
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Hōzan Yamamoto (山本 邦山, Yamamoto Hōzan; 6 de octubre de 1937 - 10 de febrero de 2014 en Ōtsu, prefectura de Shiga) fue un intérprete japonés de shakuhachi, compositor y conferenciante.
Yamamoto comenzó a tocar la flauta de bambú japonesa shakuhachi a los nueve años. Al principio le enseñó su padre y después Chozan Nakanishi. Tras graduarse en la Escuela Superior de Estudios Extranjeros de Kioto en 1958, participó en el Festival Mundial de Música Folclórica de la UNESCO y se licenció en la Escuela Superior de Música de Seiha en 1962. Junto con el intérprete de koto Shinichi Yuize y Tony Scott, grabó el álbum Music for Zen Meditation en febrero de 1964.
Tras formar el aclamado trío "Shakuhachi Sanbon Kai" en 1966 con Reibo Aoki y Katsuya Yokoyama, electrificó la conservadora escena tradicional aplicando su talento a diversas colaboraciones transversales. Éstas le han llevado a trabajar con músicos de fama mundial como Ravi Shankar, Helen Merrill, Gary Peacock y Karl Berger, y también con sus colegas flautistas Jean-Pierre Rampal y Chris Hinze.
En 1980 fue invitado al renombrado festival de música de Donaueschingen con su trío. Grabó música para la película Samurai Reincarnation y el álbum Masters of Zen: Shakuhachi & Organ con Wolfgang Mitterer. A lo largo de las décadas de 1970 y 1980, y hasta su muerte, lideró el mundo del shakuhachi recibiendo innumerables honores, entre ellos los premios ministeriales del Ministerio de Asuntos Culturales y Educación de Japón por sus actuaciones, grabaciones (que se cuentan por centenares) y composiciones. Fue profesor en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio y director del Gremio Hozan-kai Shakuhachi.
En 2002 fue designado Tesoro Nacional Viviente de Japón. En 2004 se le concedió la Medalla con Cinta Púrpura. En 2009, se le concedió la Orden del Sol Naciente, Rayos de Oro con Roseta.
El 10 de febrero de 2014 falleció en un hospital de Tokio.
https://en.wikipedia.org/wiki/H%C5%8Dzan_Yamamoto
Friday, July 3, 2026
Herbie Mann • The Family of Mann
Review by Scott Yanow
Herbie Mann's second in a long string of albums for Atlantic resulted in
some slightly commercial but mostly enjoyable music. Two songs match
the flutist with three strings and a Latin rhythm section, while three
co-star vibraphonist Dave Pike with an expanded rhythm section; the
remaining two tunes add four trumpets to the group. Best are renditions
of "Moanin'" and Charlie Parker's "Au Privave," while "The Song of
Delilah" is given a haunting treatment. Some of the other performances
are more lightweight (including a truncated "Why Don't You Do Right"),
making this out of print LP a bit of a mixed bag.
///////
Reseña de Scott Yanow
El segundo de una larga serie de álbumes de Herbie Mann para Atlantic
dio como resultado una música ligeramente comercial, pero sobre todo
agradable. Dos canciones coinciden con el flautista con tres cuerdas y
una sección rítmica latina, mientras que tres vibrafonistas
coprotagonistas Dave Pike con una sección rítmica ampliada; los dos
temas restantes añaden cuatro trompetas al grupo. Las mejores son las
interpretaciones de "Moanin'" y "Au Privave" de Charlie Parker, mientras
que "The Song of Delilah" recibe un tratamiento inolvidable. Algunas de
las otras interpretaciones son más ligeras (incluyendo un truncado "Why
Don't You Do Right"), lo que hace que este LP agotado sea un poco
confuso.
Monday, June 29, 2026
Yusef Lateef • Prayer To The East
Review by Eugene Chadbourne
A half-a-century following its original release, Prayer to the East by
Yusef Lateef remains a seemingly blessed moment of creative interaction
between American modern jazz and the music of the so-called Arab East,
the latter evoked in essences ranging from snippets of traditional
musical scales to picture postcards of Tunisian nightlife. The second
half of the '50s was a busy period for Lateef, at that time under
contract to the Savoy imprint. This album as well as three others were
all cut in October of 1957, establishing as much documentation as could
ever be needed of a transition from a player in the swing context of
bandleaders such as Lucky Millinder and Hot Lips Page to a bold
adventurer. Extended improvisations and the introduction of unusual
instruments were important parts of this development and these
recordings, yet the impression should not be one of austerity. Lateef's
use of the flute turned out to be commercial, one of many instances of
this particular axe finding more favor among the listening public than
it tends to within the ranks of musicians themselves. Lateef and
comrades may have been going for deep listening, still it is worth
pointing out that an admirer of sides such as Prayer to the East pointed
out how much fun him and his buddies used to have listening to this
music while playing pool.
https://www.allmusic.com/album/prayer-to-the-east-mw0000120364
Yusef Lateef was born William Emanuel Huddleston in Chattanooga,
Tennessee on October 9th, 1920. At the age of 5 he moved with his family
to Detroit. Growing up in Detroit he came in contact and forged
friendships with many a giant of jazz such as Kenny Burrell, Milt
Jackson, Tommy Flanagan, Barry Harris, Paul Chambers, and Donald Byrd.
By the time he graduated from high school he was a proficient tenor
saxophonist. He started soon after graduation playing professionally and
touring with different swing orchestras among them those of Hot Lips
Page, Roy Eldridge and Lucky Millender. In 1949 he joined Dizzy
Gillespie’s orchestra (using the stage name William Evans), and stayed
with them for one year. In 1950 he returned to Detroit and to enrolled
in the Wayne State University’s Music Department and studying
composition and flute. During his tenure at Wayne State he converted to
Islam and changed his name to Yusef Lateef. He stayed in Detroit until
1960 and during this decade he led his own quintet for a while, recorded
his first album as a leader for the Savoy label, Stable Mates, and
furthered his musical education by studying oboe with Ronald Odemark of
the Detroit Symphony Orchestra.
In 1960 he returned to New York and enrolled in the Manhattan School of
Music to further his studies in flute and music education. Over the next
10 years he recorded several records as a leader and played on many
more under other musicians’ leadership, toured with Charles Mingus,
Cannonball Adderley, Miles Davis, Dizzy Gillespie and Babatunde Olatunji
and obtained a BA in music and a MA in music education. Among the
highlights of his recording career from this decade are Eastern Sounds,
Live at Pep’s and The Golden Flute. One can already hear on these
records the incorporation of different eastern musical influences into
the more straight-ahead jazz idiom. These albums also are one of the
first places one can hear Dr Lateef play different reed instruments
including the bassoon, bamboo flute, shanai, shofar, argol, sarewa, and
taiwan koto. During the 70s he taught courses in autophysiopsychic music
(which comes from one’s spiritual, physical and emotional self) at the
music theory department in the Manhattan School of Music. From 1972 till
1976, he was an associate professor of music at the Borough of
Manhattan Community College.
In 1975 he was awarded a Ph.D. in Education from University of
Massachusetts in Amherst, MA and he continues to be a professor there.
Suite 16 or Blues Suite, Dr. Lateef’s first work for large orchestra,
premiered in 1969 at the Georgia Symphony Orchestra in Augusta and it
was performed in 1970 by the Detroit Symphony Orchestra at the
Meadowbrook Music Festival, and recorded by the WDR Orchestra in
Cologne. The NDR Radio Orchestra of Hamburg commissioned him to compose
the tone poem “Lalit,” in 1974. He also recorded his Symphony No.1 with
the same orchestra later that year. He has toured the world with his
ensembles and other musicians performing in concert halls and music
festivals.
The recorded highlight of this stage of his career is Autophysiopsychic.
In the 80s Dr. Lateef spent 4 years at the Center for Nigerian Cultural
Studies at Ahmadu Bello University in Zaria, Nigeria researching the
Fulani flute. In 1987 he won a Grammy for Yusef Lateef’s Little
Symphony.
In 1992 he established his own label YAL. In 1993 Yusef Lateef’ composed
his most ambitious work to date, The African American Epic Suite, a
four-movement work for quintet and orchestra dedicated to 400 years of
African American history. It premiered with the WDR orchestra and later
was also performed by the Atlanta Symphony Orchestra and by the Detroit
Symphony Orchestra. Among his lesser known accomplishments are 3 works
of fiction; A Night in the Garden of Love and two collections of short
stories, Spheres and Rain Shapes.
Yusef Lateef died at his home in Shutesbury, Massachusetts in December 2013; he was 93 years old.
///////
Reseña de Eugene Chadbourne
Medio siglo después de su lanzamiento original, Prayer to the East de
Yusef Lateef sigue siendo un momento aparentemente bendecido de
interacción creativa entre el jazz moderno estadounidense y la música
del llamado Oriente árabe, evocada en esencias que van desde fragmentos
de escalas musicales tradicionales hasta postales de la vida nocturna
tunecina. La segunda mitad de los años 50 fue un período muy ocupado
para Lateef, en ese momento bajo contrato con el sello Savoy. Este
álbum, así como otros tres, fueron editados en octubre de 1957,
estableciendo toda la documentación que se pudiera necesitar sobre la
transición de un músico en el contexto del swing de líderes como Lucky
Millinder y Hot Lips Page a un aventurero audaz. Las improvisaciones
prolongadas y la introducción de instrumentos inusuales fueron partes
importantes de este desarrollo y de estas grabaciones, pero la impresión
no debe ser de austeridad. El uso de la flauta por parte de Lateef
resultó ser comercial, uno de los muchos casos en los que este hacha en
particular encontró más favor entre el público que en las filas de los
propios músicos. Lateef y los camaradas pueden haber ido a escuchar
profundamente, sin embargo, vale la pena señalar que un admirador de
lados como Prayer to the East señaló lo mucho que él y sus camaradas
solían divertirse escuchando esta música mientras jugaban al billar.
https://www.allmusic.com/album/prayer-to-the-east-mw0000120364
Yusef Lateef nació como William Emanuel Huddleston en Chattanooga,
Tennessee el 9 de octubre de 1920. A la edad de 5 años se mudó con su
familia a Detroit. Al crecer en Detroit, entró en contacto y forjó
amistades con muchos gigantes del jazz como Kenny Burrell, Milt Jackson,
Tommy Flanagan, Barry Harris, Paul Chambers y Donald Byrd. Para cuando
se graduó de la escuela secundaria era un saxofonista tenor competente.
Comenzó poco después de su graduación tocando profesionalmente y de gira
con diferentes orquestas de swing, entre ellas las de Hot Lips Page,
Roy Eldridge y Lucky Millender. En 1949 se unió a la orquesta de Dizzy
Gillespie (con el nombre artístico de William Evans), y permaneció con
ellos durante un año. En 1950 regresó a Detroit y se matriculó en el
Departamento de Música de la Universidad Estatal de Wayne, donde estudió
composición y flauta. Durante su permanencia en el Estado de Wayne se
convirtió al Islam y cambió su nombre a Yusef Lateef. Permaneció en
Detroit hasta 1960 y durante esta década dirigió su propio quinteto por
un tiempo, grabó su primer álbum como líder del sello Savoy, Stable
Mates, y amplió su educación musical estudiando oboe con Ronald Odemark
de la Orquesta Sinfónica de Detroit.
En 1960 regresó a Nueva York y se matriculó en la Escuela de Música de
Manhattan para continuar sus estudios de flauta y educación musical.
Durante los siguientes 10 años grabó varios discos como líder y tocó en
muchos más bajo el liderazgo de otros músicos, realizó giras con Charles
Mingus, Cannonball Adderley, Miles Davis, Dizzy Gillespie y Babatunde
Olatunji y obtuvo un BA en música y un MA en educación musical. Entre
los aspectos más destacados de su carrera discográfica de esta década se
encuentran Eastern Sounds, Live at Pep's y The Golden Flute. Ya se
puede escuchar en estos discos la incorporación de diferentes
influencias musicales orientales en el lenguaje más directo del jazz.
Estos álbumes también son uno de los primeros lugares donde se puede
escuchar al Dr. Lateef tocar diferentes instrumentos de caña, incluyendo
el fagot, la flauta de bambú, el shanai, el shofar, el argol, el sarewa
y el taiwan koto. Durante los años 70 impartió cursos de música
autofísica (que proviene del propio yo espiritual, físico y emocional)
en el departamento de teoría musical de la Manhattan School of Music. De
1972 a 1976, fue profesor asociado de música en el Borough of Manhattan
Community College.
En 1975 obtuvo un doctorado en Educación de la Universidad de
Massachusetts en Amherst, MA y continúa siendo profesor allí. Suite 16 o
Blues Suite, el primer trabajo del Dr. Lateef para grandes orquestas,
se estrenó en 1969 en la Georgia Symphony Orchestra de Augusta y fue
interpretada en 1970 por la Detroit Symphony Orchestra en el Meadowbrook
Music Festival, y grabada por la WDR Orchestra de Colonia. La Orquesta
de la Radio NDR de Hamburgo le encargó en 1974 la composición del poema
tonal "Lalit". También grabó su Sinfonía No. 1 con la misma orquesta ese
mismo año. Ha dado la vuelta al mundo con sus conjuntos y otros músicos
actuando en salas de conciertos y festivales de música.
El punto culminante registrado de esta etapa de su carrera es
Autophysiopsychic. En los años 80, el Dr. Lateef pasó 4 años en el
Centro de Estudios Culturales Nigerianos de la Universidad Ahmadu Bello
en Zaria, Nigeria, investigando la flauta Pël. En 1987 ganó un Grammy
por la Pequeña Sinfonía de Yusef Lateef.
En 1992 fundó su propio sello YAL. En 1993 Yusef Lateef' compuso su obra
más ambiciosa hasta la fecha, The African American Epic Suite, una obra
de cuatro movimientos para quinteto y orquesta dedicada a 400 años de
historia afroamericana. Se estrenó con la orquesta WDR y más tarde
también fue interpretada por la Atlanta Symphony Orchestra y por la
Detroit Symphony Orchestra. Entre sus logros menos conocidos se
encuentran 3 obras de ficción; Una Noche en el Jardín del Amor y dos
colecciones de cuentos, Esferas y Formas de la Lluvia.
Yusef Lateef murió en su casa de Shutesbury, Massachusetts, en diciembre de 2013; tenía 93 años.
Saturday, June 20, 2026
Bobby Jaspar • Clarinescapade
Bobby
Jaspar was a young Belgian tenor saxophonist and flautist who arrived
in New York in April 1956. His reputation in Europe was considerable,
but he was practically unknown in the States. Nonetheless, when
trombonist J.J. Johnson engaged Bobby for his newly formed quintet, he
finally achieved the recognition he deserved. From that moment on, he
enjoyed great success, winning Down Beats critics poll award in the New
Star Tenor Sax category during the summer of 1956.
These
recordings were made on three dates during the fall of that same year.
The music is varied in theme and mood, and Jaspar, as well as performing
on tenor sax, clarinet and flute, displays a musical expression
entirely his own, playing with a great deal of warmth and imagination.
All the other jazzmen participating in these sessions offer him
stimulating and intelligent support, with Tommy Flanagans usual
imaginative strength and the impressive musical inventiveness and skills
of Elvin Jones and Eddie Costa among the most valuable elements of the
consistently cohesive playing evident here.
Press reviews
"Belgian
multi-instrumentalist Bobby Jaspar was hitting his stride in 1956, with
great recognition in Europe and a budding reputation in the U.S. via
his membership in the J.J. Johnson combo.
This CD, a Fresh Sound
compilation derived from French Columbia Records LP and EP releases,
shows why he was a well-liked and respected cool-to-bop post-Lester
Young-influenced tenor saxophonist. The seven tracks where he emphasizes
tenor show him breaking away from his influences and exercising
voicings of his own, quite similar at that time to peers Stan Getz and
Zoot Sims. He ably extrapolates on melodies of the standards "How Deep
Is the Ocean" and "I Remember You," and Johnson's hard bopper "Wee Dot,"
while circling the wagons around the line in an unusual rendition of "I
Won't Dance." His fluidity and innate melodic sense are impeccable. The
numbers on flute, "Tutti Flutti" and "In a Little Provincial Town,"
also demonstrate his abilities as a composer, the former bright and
sunny with clean unison playing astride masterful Detroit pianist Tommy
Flanagan, the latter a near third stream ballad with shining, shimmering
modal voicings courtesy of Barry Galbraith. The opener is the title
track, a nice bop romp on clarinet, the only tune where he plays the
black woodwind, making the title of the CD misleading. Drummer Elvin
Jones cements the Detroit connection on the first eight tracks in a more
popping, heady, restrained (for him) rhythmic fashion, and it's a rare
chance to hear the legendary Nabil Totah on bass in an extended setting.
The
first ten tracks (eight by quintet and two by quartet formations) were
originally on LP, and the last two bop quintet numbers were on EP only.
One always wonders if the Manny Albam counterpoint-infused composition
"They Lock Alike" was/is misspelled. Shouldn't it be "They Look Alike?"
At any rate, this is a first-class date from unsung jazz hero Jaspar,
sonically a very well-recorded and remastered effort, and highly
recommended."
Michael G. Nastos -All Music Guide
https://www.freshsoundrecords.com/bobby-jaspar-albums/4766-clarinescapade.html
///////
Bobby
Jaspar era un joven saxofonista tenor y flautista belga que llegó a
Nueva York en abril de 1956. Su reputación en Europa era considerable,
pero era prácticamente desconocido en Estados Unidos. Sin embargo,
cuando el trombonista J.J. Johnson contrató a Bobby para su quinteto
recién formado, finalmente alcanzó el reconocimiento que merecía. A
partir de ese momento, disfrutó de un gran éxito, ganando el premio de
la encuesta de los críticos de Down Beats en la categoría de Saxo Tenor
Nueva Estrella durante el verano de 1956.
Estas grabaciones se
realizaron en tres fechas durante el otoño de ese mismo año. La música
es variada en cuanto a temas y estados de ánimo, y Jaspar, además de
tocar el saxo tenor, el clarinete y la flauta, muestra una expresión
musical totalmente propia, tocando con mucha calidez e imaginación.
Todos los demás jazzistas que participan en estas sesiones le ofrecen un
apoyo estimulante e inteligente, con la habitual fuerza imaginativa de
Tommy Flanagans y la impresionante inventiva musical y las habilidades
de Elvin Jones y Eddie Costa, entre los elementos más valiosos de la
coherente interpretación que se pone de manifiesto aquí.
Críticas de la prensa
"El
multiinstrumentista belga Bobby Jaspar estaba en pleno apogeo en 1956,
con un gran reconocimiento en Europa y una incipiente reputación en los
Estados Unidos a través de su pertenencia al combo J.J. Johnson.
Este
CD, una compilación de Fresh Sound derivada de los lanzamientos de LP y
EP de Columbia Records en Francia, muestra por qué era un saxofonista
tenor muy querido y respetado en el cool-to-bop posterior a la
influencia de Lester Young. Los siete temas en los que hace hincapié en
el tenor le muestran desmarcándose de sus influencias y ejerciendo
voicings propios, bastante similares en aquella época a los de sus
compañeros Stan Getz y Zoot Sims. Extrapola hábilmente las melodías de
los estándares "How Deep Is the Ocean" y "I Remember You", y el hard
bopper de Johnson "Wee Dot", mientras da vueltas a la línea en una
inusual interpretación de "I Won't Dance". Su fluidez y sentido melódico
innato son impecables. Los números en flauta, "Tutti Flutti" y "In a
Little Provincial Town", también demuestran sus habilidades como
compositor, el primero brillante y soleado con una interpretación limpia
al unísono a horcajadas del magistral pianista de Detroit Tommy
Flanagan, el segundo una balada casi de tercera corriente con brillantes
y relucientes voicings modales cortesía de Barry Galbraith. El tema que
abre el disco es el que da título al disco, un bonito juego de bop con
el clarinete, el único tema en el que toca el viento negro, lo que hace
que el título del CD sea engañoso. El baterista Elvin Jones consolida la
conexión con Detroit en los primeros ocho temas de una forma rítmica
más pop, embriagadora y contenida (para él), y es una rara oportunidad
de escuchar al legendario Nabil Totah al bajo en un entorno extenso.
Los
diez primeros temas (ocho de quinteto y dos de cuarteto) se editaron
originalmente en LP, y los dos últimos números de quinteto de bop sólo
en EP. Uno siempre se pregunta si la composición con contrapunto de
Manny Albam "They Lock Alike" estaba/está mal escrita. ¿No debería ser
"They Look Alike"? En cualquier caso, esta es una cita de primera clase
del héroe del jazz no reconocido Jaspar, sonoramente un esfuerzo muy
bien grabado y remasterizado, y muy recomendable."
Michael G. Nastos -All Music Guide
https://www.freshsoundrecords.com/bobby-jaspar-albums/4766-clarinescapade.html
www.freshsoundrecords.com ...
Friday, June 19, 2026
Althea Rene • Flawsome
Album Notes
This spectacular project combines the "soulful Detroit fire" that the motor city is known for, with the silky appeal that smooth jazz fans adore. The musicianship is top-notch and the collaboration of such renowned guest artists helps to make this CD so powerful.
Detroit, Michigan born flutist Althea Rene has never regretted having chosen music as her purpose in life. With Flute Talk in 2000, Chocolate Rush (2003), In The Moment (2006), No Restrictions (2008), In The Flow (2013), Live In Detroit (2015) and Unstoppable (2017) she can look back on a remarkable discography. Now her new album Flawsome (2019) delivers the next paving stone of her street to glory.
Althea explains the title Flawsome as something or someone that is extraordinary because of its imperfections. The album is elaborately designed. Demetrius Nabors, Chris “Big Dog” Davis, & Lew Laing are listed as responsible producers. In addition to Althea, who plays the flute as her favorite instrument, are named as musicians on selected tracks Demetrius Nabors (keyboards), Robert Skinner (bass), Gary Johnson, Andrew Freeman and Jas Miller (guitar), Nate Winn, Eric Valentine (drums), Chris “Big Dog” Davis, Lew Laing (drum programming, keyboard bass, keyboards, rhythm arrangements), Euge Groove, Jeanette Harris (sax), Andrew Dorsett (keyboard and programming) and Dwight Adams (trumpet).
The sumptuous line-up is immediately noticeable in the quality of the music. Inner Circle starts with an introduction in George Duke style followed by a high-quality tune with excellent musicianship of all participating musicians. Althea offers multilayered flutes in spectacular overdub.
Rock with You is a song written by British songwriter Rod Temperton and recorded for Michael Jackson's album Off The Wall. The smooth jazz genre knows covers by Everette Harp, Inaki Arakistain, Darren Rahn or Chuck Loeb. Which approach should be used to interpret this well-known melody? Althea chooses a chorus line of her magic flutes perfectly embedded by Chris “Big Dog” Davis.
When you like Stevie Wonder's Pastime Paradise then you will the Spanish flavored Passion. I don't know who is Barbara Mae. A living person or fictive. However Euge Groove and Althea offer a maximum of authenticity and emotionality. Althea explains: Barbara Mae is her mother. Jump To It is a sparkling dance floor hit that will surely fill the hearts of all dancers.
Flawsome is a very memorable title, although it doesn't fit on the title song at all. Althea once again shows her distinct sense for perfect harmony in the multiple sound of her flute. We Are One is a masterpiece by Frankie Beverly and also the title of the same named album by Bay Area-based R&B group Maze, released in 1983 on Capitol Records. The interpretation sees Jeanette Harris in the lead in replacement of Frankie's vocal recitation followed by Althea on flute. Romel Veal on guitar and Eric Valentine on drums deliver the original Maze feeling.
If Chris "Big Dog" Davis has one thing on his plate, it's the catchy R&B groove. Let Me Love You is tailor-made for Althea. With Life On Mars, Althea reaches far back into the past. Back in 1976, Dexter Wansel, keyboardist for O'Jays, the Stylistics, and the Intruders, released his groundbreaking debut album Life On Mars. Althea means it seriously with the Funk. She blends her flute with Dwight Adam's trumpet to a flawless brass arrangement and rises on her solo to a splendid Ian Anderson level.
Althea Rene's album Flawsome serves classy renditions with original compositions of enduring quality performed on a ultra-high standard. You cannot dig deeper to find a better album.
http://www.smooth-jazz.de/firstview/Rene/Flawsome.htm
Notas del álbum
Este espectacular proyecto combina el "fuego conmovedor de Detroit" por el que la ciudad del motor es conocida, con el atractivo sedoso que adoran los aficionados al jazz. La musicalidad es de primera clase y la colaboración de estos renombrados artistas invitados ayuda a hacer que este CD sea tan poderoso.
La flautista nacida en Detroit, Michigan, Althea René nunca se ha arrepentido de haber elegido la música como su propósito en la vida. Con Flute Talk en 2000, Chocolate Rush (2003), In The Moment (2006), No Restrictions (2008), In The Flow (2013), Live In Detroit (2015) e Unstoppable (2017) ella puede mirar hacia atrás en una discografía notable. Ahora, su nuevo álbum Flawsome (2019) lleva a la gloria la siguiente piedra de su calle.
Althea explica el título Flawsome como algo o alguien que es extraordinario por sus imperfecciones. El álbum está diseñado de manera muy elaborada. Demetrius Nabors, Chris "Big Dog" Davis y Lew Laing figuran como productores responsables. Además de Althea, que toca la flauta como su instrumento favorito, son nombrados como músicos en temas seleccionados Demetrius Nabors (teclados), Robert Skinner (bajo), Gary Johnson, Andrew Freeman y Jas Miller (guitarra), Nate Winn, Eric Valentine (batería), Chris "Big Dog" Davis, Lew Laing (programación de batería, teclado bajo, teclados, arreglos rítmicos), Euge Groove, Jeanette Harris (saxo), Andrew Dorsett (teclado y programación) y Dwight Adams (trompeta).
La suntuosa alineación se nota inmediatamente en la calidad de la música. Inner Circle comienza con una introducción al estilo de George Duke seguida de una melodía de alta calidad con una excelente musicalidad de todos los músicos participantes. Althea ofrece flautas de varias capas en un espectacular overdub.
Rock with You es una canción escrita por el compositor británico Rod Temperton y grabada para el álbum Off The Wall de Michael Jackson. El género de smooth jazz conoce covers de Everette Harp, Inaki Arakistain, Darren Rahn o Chuck Loeb. ¿Qué enfoque se debe utilizar para interpretar esta conocida melodía? Althea elige una línea de coro de sus flautas mágicas perfectamente incrustada por Chris "Big Dog" Davis.
Cuando le guste el Paraíso del Pasatiempo de Stevie Wonder, entonces tendrá la Pasión con sabor español. No sé quién es Barbara Mae. Una persona viva o ficticia. Sin embargo Euge Groove y Althea ofrecen un máximo de autenticidad y emocionalidad. Althea explica: Barbara Mae es su madre. Jump To It es un brillante éxito en la pista de baile que seguramente llenará los corazones de todos los bailarines.
Flawsome es un título muy memorable, aunque no encaja para nada en la canción del título. Althea una vez más muestra su sentido distintivo para la perfecta armonía en el sonido múltiple de su flauta. We Are One es una obra maestra de Frankie Beverly y también el título del álbum del mismo nombre del grupo de R&B Maze, con sede en el área de la bahía, lanzado en 1983 en Capitol Records. La interpretación ve a Jeanette Harris en el liderazgo en reemplazo de la recitación vocal de Frankie seguida por Althea en la flauta. Romel Veal en la guitarra y Eric Valentine en la batería entregan el sentimiento original de Maze.
Si Chris "Big Dog" Davis tiene una cosa en su plato, es el pegajoso ritmo de R&B. Let Me Love You está hecha a medida para Althea. Con "Life On Mars", Althea se remonta al pasado. En 1976, Dexter Wansel, teclista de O'Jays, the Stylistics, and the Intruders, lanzó su innovador álbum debut Life On Mars. Althea lo dice en serio con el Funk. Ella mezcla su flauta con la trompeta de Dwight Adam a un impecable arreglo de metales y se eleva en su solo a un espléndido nivel de Ian Anderson.
El álbum Flawsome de Althea Rene sirve interpretaciones con clase con composiciones originales de calidad duradera interpretadas con un estándar ultra alto. No se puede cavar más profundo para encontrar un mejor álbum.
http://www.smooth-jazz.de/firstview/Rene/Flawsome.htm
Detroit, Michigan born flutist Althea Rene has never regretted having chosen music as her purpose in life. With Flute Talk in 2000, Chocolate Rush (2003), In The Moment (2006), No Restrictions (2008), In The Flow (2013), Live In Detroit (2015) and Unstoppable (2017) she can look back on a remarkable discography. Now her new album Flawsome (2019) delivers the next paving stone of her street to glory.
Althea explains the title Flawsome as something or someone that is extraordinary because of its imperfections. The album is elaborately designed. Demetrius Nabors, Chris “Big Dog” Davis, & Lew Laing are listed as responsible producers. In addition to Althea, who plays the flute as her favorite instrument, are named as musicians on selected tracks Demetrius Nabors (keyboards), Robert Skinner (bass), Gary Johnson, Andrew Freeman and Jas Miller (guitar), Nate Winn, Eric Valentine (drums), Chris “Big Dog” Davis, Lew Laing (drum programming, keyboard bass, keyboards, rhythm arrangements), Euge Groove, Jeanette Harris (sax), Andrew Dorsett (keyboard and programming) and Dwight Adams (trumpet).
The sumptuous line-up is immediately noticeable in the quality of the music. Inner Circle starts with an introduction in George Duke style followed by a high-quality tune with excellent musicianship of all participating musicians. Althea offers multilayered flutes in spectacular overdub.
Rock with You is a song written by British songwriter Rod Temperton and recorded for Michael Jackson's album Off The Wall. The smooth jazz genre knows covers by Everette Harp, Inaki Arakistain, Darren Rahn or Chuck Loeb. Which approach should be used to interpret this well-known melody? Althea chooses a chorus line of her magic flutes perfectly embedded by Chris “Big Dog” Davis.
When you like Stevie Wonder's Pastime Paradise then you will the Spanish flavored Passion. I don't know who is Barbara Mae. A living person or fictive. However Euge Groove and Althea offer a maximum of authenticity and emotionality. Althea explains: Barbara Mae is her mother. Jump To It is a sparkling dance floor hit that will surely fill the hearts of all dancers.
Flawsome is a very memorable title, although it doesn't fit on the title song at all. Althea once again shows her distinct sense for perfect harmony in the multiple sound of her flute. We Are One is a masterpiece by Frankie Beverly and also the title of the same named album by Bay Area-based R&B group Maze, released in 1983 on Capitol Records. The interpretation sees Jeanette Harris in the lead in replacement of Frankie's vocal recitation followed by Althea on flute. Romel Veal on guitar and Eric Valentine on drums deliver the original Maze feeling.
If Chris "Big Dog" Davis has one thing on his plate, it's the catchy R&B groove. Let Me Love You is tailor-made for Althea. With Life On Mars, Althea reaches far back into the past. Back in 1976, Dexter Wansel, keyboardist for O'Jays, the Stylistics, and the Intruders, released his groundbreaking debut album Life On Mars. Althea means it seriously with the Funk. She blends her flute with Dwight Adam's trumpet to a flawless brass arrangement and rises on her solo to a splendid Ian Anderson level.
Althea Rene's album Flawsome serves classy renditions with original compositions of enduring quality performed on a ultra-high standard. You cannot dig deeper to find a better album.
http://www.smooth-jazz.de/firstview/Rene/Flawsome.htm
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Notas del álbum
Este espectacular proyecto combina el "fuego conmovedor de Detroit" por el que la ciudad del motor es conocida, con el atractivo sedoso que adoran los aficionados al jazz. La musicalidad es de primera clase y la colaboración de estos renombrados artistas invitados ayuda a hacer que este CD sea tan poderoso.
La flautista nacida en Detroit, Michigan, Althea René nunca se ha arrepentido de haber elegido la música como su propósito en la vida. Con Flute Talk en 2000, Chocolate Rush (2003), In The Moment (2006), No Restrictions (2008), In The Flow (2013), Live In Detroit (2015) e Unstoppable (2017) ella puede mirar hacia atrás en una discografía notable. Ahora, su nuevo álbum Flawsome (2019) lleva a la gloria la siguiente piedra de su calle.
Althea explica el título Flawsome como algo o alguien que es extraordinario por sus imperfecciones. El álbum está diseñado de manera muy elaborada. Demetrius Nabors, Chris "Big Dog" Davis y Lew Laing figuran como productores responsables. Además de Althea, que toca la flauta como su instrumento favorito, son nombrados como músicos en temas seleccionados Demetrius Nabors (teclados), Robert Skinner (bajo), Gary Johnson, Andrew Freeman y Jas Miller (guitarra), Nate Winn, Eric Valentine (batería), Chris "Big Dog" Davis, Lew Laing (programación de batería, teclado bajo, teclados, arreglos rítmicos), Euge Groove, Jeanette Harris (saxo), Andrew Dorsett (teclado y programación) y Dwight Adams (trompeta).
La suntuosa alineación se nota inmediatamente en la calidad de la música. Inner Circle comienza con una introducción al estilo de George Duke seguida de una melodía de alta calidad con una excelente musicalidad de todos los músicos participantes. Althea ofrece flautas de varias capas en un espectacular overdub.
Rock with You es una canción escrita por el compositor británico Rod Temperton y grabada para el álbum Off The Wall de Michael Jackson. El género de smooth jazz conoce covers de Everette Harp, Inaki Arakistain, Darren Rahn o Chuck Loeb. ¿Qué enfoque se debe utilizar para interpretar esta conocida melodía? Althea elige una línea de coro de sus flautas mágicas perfectamente incrustada por Chris "Big Dog" Davis.
Cuando le guste el Paraíso del Pasatiempo de Stevie Wonder, entonces tendrá la Pasión con sabor español. No sé quién es Barbara Mae. Una persona viva o ficticia. Sin embargo Euge Groove y Althea ofrecen un máximo de autenticidad y emocionalidad. Althea explica: Barbara Mae es su madre. Jump To It es un brillante éxito en la pista de baile que seguramente llenará los corazones de todos los bailarines.
Flawsome es un título muy memorable, aunque no encaja para nada en la canción del título. Althea una vez más muestra su sentido distintivo para la perfecta armonía en el sonido múltiple de su flauta. We Are One es una obra maestra de Frankie Beverly y también el título del álbum del mismo nombre del grupo de R&B Maze, con sede en el área de la bahía, lanzado en 1983 en Capitol Records. La interpretación ve a Jeanette Harris en el liderazgo en reemplazo de la recitación vocal de Frankie seguida por Althea en la flauta. Romel Veal en la guitarra y Eric Valentine en la batería entregan el sentimiento original de Maze.
Si Chris "Big Dog" Davis tiene una cosa en su plato, es el pegajoso ritmo de R&B. Let Me Love You está hecha a medida para Althea. Con "Life On Mars", Althea se remonta al pasado. En 1976, Dexter Wansel, teclista de O'Jays, the Stylistics, and the Intruders, lanzó su innovador álbum debut Life On Mars. Althea lo dice en serio con el Funk. Ella mezcla su flauta con la trompeta de Dwight Adam a un impecable arreglo de metales y se eleva en su solo a un espléndido nivel de Ian Anderson.
El álbum Flawsome de Althea Rene sirve interpretaciones con clase con composiciones originales de calidad duradera interpretadas con un estándar ultra alto. No se puede cavar más profundo para encontrar un mejor álbum.
http://www.smooth-jazz.de/firstview/Rene/Flawsome.htm
Thursday, June 18, 2026
Ken McIntyre • Way Way out
Biography
by Scott Yanow
A versatile player with a thoughtful style who can play quite freely, Ken McIntyre has never been a major name in jazz despite his talents. After serving in the military and graduating from the Boston Conservatory, he arrived in New York in 1960 and made a strong impression. He recorded two albums for New Jazz that year, including one on which he held his own against Eric Dolphy. McIntyre also led two now-scarce records for United Artists during 1962-1963 (including one titled Way Way Out) but became involved in education, teaching in public schools starting in 1961. He continued playing on a part-time basis (recording with Cecil Taylor in 1966). McIntyre led five albums for SteepleChase during 1974-1978, including his definitive set Hindsight (which finds him spotlighting each of his five horns in a quartet). He also recorded with Craig Harris in 1983 and put together an Eric Dolphy tribute set for Serene in 1991, but Ken McIntyre never gained the recognition he deserved. In the early '90s, he adopted the first name of Makanda and in June 2001, he released his first recording in years, entitled A New Beginning. Multi-instumentalist and music educator Dr. Makanda Ken McIntyre passed away at the age of 69 as a result of a heart attack on Wednesday, June 13, 2001, at his home in Harlem, NY .
https://www.allmusic.com/artist/ken-mcintyre-mn0000766122/biography
///////
Biografía
por Scott Yanow
Ken McIntyre, un músico versátil con un estilo reflexivo que puede tocar con bastante libertad, nunca ha sido un nombre importante en el jazz a pesar de su talento. Tras hacer el servicio militar y graduarse en el Conservatorio de Boston, llegó a Nueva York en 1960 y causó una fuerte impresión. Ese año grabó dos álbumes para New Jazz, incluido uno en el que se enfrentó a Eric Dolphy. McIntyre también dirigió dos discos, ahora escasos, para United Artists durante 1962-1963 (incluido uno titulado Way Way Out), pero se dedicó a la educación, dando clases en escuelas públicas a partir de 1961. Siguió tocando a tiempo parcial (grabando con Cecil Taylor en 1966). McIntyre dirigió cinco álbumes para SteepleChase durante 1974-1978, incluido su conjunto definitivo Hindsight (en el que destaca cada una de sus cinco trompas en un cuarteto). También grabó con Craig Harris en 1983 y preparó un conjunto de homenaje a Eric Dolphy para Serene en 1991, pero Ken McIntyre nunca obtuvo el reconocimiento que merecía. A principios de los 90, adoptó el nombre de Makanda y en junio de 2001 publicó su primera grabación en años, titulada A New Beginning. El multiinstrumentista y educador musical Dr. Makanda Ken McIntyre falleció a la edad de 69 años como consecuencia de un ataque al corazón el miércoles 13 de junio de 2001 en su casa de Harlem, Nueva York.
https://www.allmusic.com/artist/ken-mcintyre-mn0000766122/biography
Saturday, June 13, 2026
Buddy Banks & Bobby Jaspar • Jazz de Chambre
Review by Ken Dryden
Part of the fun of listening to Universal Music's Jazz in Paris series is digging into their compilations of obscure recordings, such as these two mid-'50s sessions, led by Buddy Banks and Bobby Jaspar. Banks, originally a saxophonist who switched to bass, had arrived in Europe after World War II; he is accompanied by drummer Roy Haynes, pianist Bob Dorough, and guitarist Jimmy Gourley. The leader takes the spotlight in a subtle take of "Yesterdays," though a strange clicking mars an otherwise swinging "I Love You." Banks' group also offers serviceable interpretations of modern pieces like Gerry Mulligan's "Line for Lyons" and Milt Jackson's "Bag's Groove." The partnership of Belgian flutist Bobby Jaspar and American pianist Blossom Dearie was rather brief. Married not long after they met, they recorded just four selections together in 1956 with bassist Benoit Quersin and drummer Christian Garros, then went their separate ways. The best track is the snappy arrangement of "Old Devil Moon." Dearie adds a quick bit of celesta to their abbreviated take of "There Will Never Be Another You." The four standards on this session are enjoyable, though they might have benefited from adding a second reed or brass instrument to provide some variety.
https://www.allmusic.com/album/jazz-in-paris-jazz-de-chambre-mw0000229529
Part of the fun of listening to Universal Music's Jazz in Paris series is digging into their compilations of obscure recordings, such as these two mid-'50s sessions, led by Buddy Banks and Bobby Jaspar. Banks, originally a saxophonist who switched to bass, had arrived in Europe after World War II; he is accompanied by drummer Roy Haynes, pianist Bob Dorough, and guitarist Jimmy Gourley. The leader takes the spotlight in a subtle take of "Yesterdays," though a strange clicking mars an otherwise swinging "I Love You." Banks' group also offers serviceable interpretations of modern pieces like Gerry Mulligan's "Line for Lyons" and Milt Jackson's "Bag's Groove." The partnership of Belgian flutist Bobby Jaspar and American pianist Blossom Dearie was rather brief. Married not long after they met, they recorded just four selections together in 1956 with bassist Benoit Quersin and drummer Christian Garros, then went their separate ways. The best track is the snappy arrangement of "Old Devil Moon." Dearie adds a quick bit of celesta to their abbreviated take of "There Will Never Be Another You." The four standards on this session are enjoyable, though they might have benefited from adding a second reed or brass instrument to provide some variety.
https://www.allmusic.com/album/jazz-in-paris-jazz-de-chambre-mw0000229529
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Reseña de Ken Dryden
Parte de la diversión de escuchar la serie Jazz in Paris de Universal Music es escarbar en sus recopilaciones de grabaciones oscuras, como estas dos sesiones de mediados de los 50, lideradas por Buddy Banks y Bobby Jaspar. Banks, originalmente saxofonista que se pasó al bajo, había llegado a Europa después de la Segunda Guerra Mundial; le acompañan el batería Roy Haynes, el pianista Bob Dorough y el guitarrista Jimmy Gourley. El líder se lleva el protagonismo en una sutil versión de "Yesterdays", aunque un extraño chasquido estropea una "I Love You" que, por lo demás, tiene mucho swing. El grupo de Banks también ofrece buenas interpretaciones de piezas modernas como "Line for Lyons" de Gerry Mulligan y "Bag's Groove" de Milt Jackson. La asociación del flautista belga Bobby Jaspar y la pianista estadounidense Blossom Dearie fue más bien breve. Casados poco después de conocerse, sólo grabaron cuatro temas juntos en 1956 con el bajista Benoit Quersin y el batería Christian Garros, y luego tomaron caminos separados. El mejor tema es el ágil arreglo de "Old Devil Moon". Dearie añade un poco de celesta a su abreviada versión de "There Will Never Be Another You". Los cuatro estándares de esta sesión son agradables, aunque les habría venido bien añadir una segunda lengüeta o un instrumento de metal para aportar algo de variedad.
https://www.allmusic.com/album/jazz-in-paris-jazz-de-chambre-mw0000229529
Parte de la diversión de escuchar la serie Jazz in Paris de Universal Music es escarbar en sus recopilaciones de grabaciones oscuras, como estas dos sesiones de mediados de los 50, lideradas por Buddy Banks y Bobby Jaspar. Banks, originalmente saxofonista que se pasó al bajo, había llegado a Europa después de la Segunda Guerra Mundial; le acompañan el batería Roy Haynes, el pianista Bob Dorough y el guitarrista Jimmy Gourley. El líder se lleva el protagonismo en una sutil versión de "Yesterdays", aunque un extraño chasquido estropea una "I Love You" que, por lo demás, tiene mucho swing. El grupo de Banks también ofrece buenas interpretaciones de piezas modernas como "Line for Lyons" de Gerry Mulligan y "Bag's Groove" de Milt Jackson. La asociación del flautista belga Bobby Jaspar y la pianista estadounidense Blossom Dearie fue más bien breve. Casados poco después de conocerse, sólo grabaron cuatro temas juntos en 1956 con el bajista Benoit Quersin y el batería Christian Garros, y luego tomaron caminos separados. El mejor tema es el ágil arreglo de "Old Devil Moon". Dearie añade un poco de celesta a su abreviada versión de "There Will Never Be Another You". Los cuatro estándares de esta sesión son agradables, aunque les habría venido bien añadir una segunda lengüeta o un instrumento de metal para aportar algo de variedad.
https://www.allmusic.com/album/jazz-in-paris-jazz-de-chambre-mw0000229529
Tuesday, June 9, 2026
Herbie Mann & Buddy Collette • Flute Fraternity
Review by Scott Yanow
In the 1950s, Herbie Mann frequently shared the spotlight on record dates with other flutists. This V.S.O.P. LP, a reissue of a set originally for Mode and also out for awhile on Premier, matches Mann (who here also plays piccolo, clarinet and tenor) with Buddy Collette (switching between flute, clarinet, tenor and alto) in a quintet with pianist Jimmy Rowles, bassist Buddy Clark and drummer Mel Lewis. The results are generally pleasing, if somewhat lightweight, with such obscure tunes as "Here's Buddy," Rowles' "Pop Melody," "Here's Pete" and Mann's "Theme from 'Theme From'" alternating with three standards and Chico Hamilton's "Morning After." The most interesting aspect to this lightly swinging music is the constant switching around of the lead voices on their various horns.
https://www.allmusic.com/album/flute-fraternity-mw0000037566
In the 1950s, Herbie Mann frequently shared the spotlight on record dates with other flutists. This V.S.O.P. LP, a reissue of a set originally for Mode and also out for awhile on Premier, matches Mann (who here also plays piccolo, clarinet and tenor) with Buddy Collette (switching between flute, clarinet, tenor and alto) in a quintet with pianist Jimmy Rowles, bassist Buddy Clark and drummer Mel Lewis. The results are generally pleasing, if somewhat lightweight, with such obscure tunes as "Here's Buddy," Rowles' "Pop Melody," "Here's Pete" and Mann's "Theme from 'Theme From'" alternating with three standards and Chico Hamilton's "Morning After." The most interesting aspect to this lightly swinging music is the constant switching around of the lead voices on their various horns.
https://www.allmusic.com/album/flute-fraternity-mw0000037566
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Reseña de Scott Yanow
En la década de 1950, Herbie Mann compartió con frecuencia el centro de atención en fechas récord con otros flautistas. Este LP de V. S. O. P., reedición de un set originalmente para Mode y también disponible por un tiempo en Premier, combina a Mann (que aquí también toca flautín, clarinete y tenor) con Buddy Collette (alternando entre flauta, clarinete, tenor y alto) en un quinteto con el pianista Jimmy Rowles, el bajista Buddy Clark y el baterista Mel Lewis. Los resultados son generalmente agradables, aunque algo livianos, con melodías oscuras como "Here's Buddy", "Pop Melody" de Rowles, "Here's Pete" y "Theme from' Theme From '" de Mann alternando con tres estándares y "Morning After" de Chico Hamilton."El aspecto más interesante de esta música ligeramente oscilante es el cambio constante de las voces principales en sus diversos cuernos.
https://www.allmusic.com/album/flute-fraternity-mw0000037566
En la década de 1950, Herbie Mann compartió con frecuencia el centro de atención en fechas récord con otros flautistas. Este LP de V. S. O. P., reedición de un set originalmente para Mode y también disponible por un tiempo en Premier, combina a Mann (que aquí también toca flautín, clarinete y tenor) con Buddy Collette (alternando entre flauta, clarinete, tenor y alto) en un quinteto con el pianista Jimmy Rowles, el bajista Buddy Clark y el baterista Mel Lewis. Los resultados son generalmente agradables, aunque algo livianos, con melodías oscuras como "Here's Buddy", "Pop Melody" de Rowles, "Here's Pete" y "Theme from' Theme From '" de Mann alternando con tres estándares y "Morning After" de Chico Hamilton."El aspecto más interesante de esta música ligeramente oscilante es el cambio constante de las voces principales en sus diversos cuernos.
https://www.allmusic.com/album/flute-fraternity-mw0000037566
Monday, June 8, 2026
Benjamin Herman • Project S
Benjamin Herman got his first saxophone at the age of twelve. At
thirteen he was already playing on the professional club circuit. By the
time he was twenty years old he was appearing with different groups
around the world and initiating projects of his own. His fame spread
beyond jazz circles in the 1990s when he formed the groundbreaking
ensemble New Cool Collective. Having made a name as soloist while still a
teenager, Benjamin Herman has appeared on over a hundred records with
all kinds of artists, from Candy Dulfer to Misha Mengelberg. Herman has
also built a career in The Netherlands and abroad as a composer. With
New Cool Collective as well as with his smaller bands. He is a well
respected craftsman who’s playing is firmly rooted in jazz tradition.
His gigs are strongly influenced by dance floor jazz, surf and punk
music, free jazz and traditional music from all over the world,
attracting adventurous music fans of all genres as well as straight
ahead jazz aficionados.
Today Benjamin Herman is one of the most original and productive jazz
musicians in the Netherlands exploring influences beyond the confines of
the jazz world. After starting his own record label ‘Roach Records’ in
2004 Benjamin Herman produced a string of cd’s and vinyl’s. He recorded
and toured with amongst others Paul Weller, Dr. John, Tony Allen, Stan
Tracey, Misha Mengelberg, Han Bennink, Peter Maffay, programmed several
festivals, played all over the globe and worked on numerous personal
projects. Amongst many awards and prizes are the prestigious VPRO/Boy
Edgar Award and ‘Best Dressed man’ by Esquire magazine.
In 2017 New Cool Collective released two new albums (one featuring
Senegalese alto saxophonist Thierno Koite of Orchestra Baobab) and
Benjamin released a live album on the ICP label with The Quartet NL. An
all star Dutch foursome with drummer Han Bennink (74), bassist Ruud
Jacobs (78) and pianist Peter Beets.
In 2018 to celebrate his 50th birthday Benjamin released ‘Project S’, a
luscious ode to Johan Cruyff’s car of choice the ‘Citroën SM’ and
punk-jazz album ‘Bughouse’ with guitar magus Reinier Baas, bassist Peter
Peskens (Jungle By Night) and legendary hard core drummer Olav van den
Berg (Lärm, Seein’ Red, Marxbros).
Autumn 2019 will see the digital release of Benjamin’s albums ‘Deelder 65′ (2009)’
Spring 2020 Benjamin’s debut solo album ‘Café Alto’ will be online as
well and will see the release of 10″ vinyl ‘One for Guidi’ with several
tracks from last year’s trio session featuring young lions Gideon
Tazelaar (ts), Ian Cleaver (tp) and Timothy Banchet (p).
https://www.benjaminherman.nl/
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Benjamín Herman consiguió su primer saxofón a los doce años. A los trece
años ya jugaba en el circuito profesional del club. A los veinte años
ya aparecía con diferentes grupos alrededor del mundo e iniciaba
proyectos propios. Su fama se extendió más allá de los círculos de jazz
en la década de 1990 cuando formó el innovador conjunto New Cool
Collective. Después de haberse hecho un nombre como solista cuando aún
era adolescente, Benjamin Herman ha aparecido en más de cien discos con
todo tipo de artistas, desde Candy Dulfer hasta Misha Mengelberg. Herman
también ha construido una carrera en los Países Bajos y en el
extranjero como compositor. Con New Cool Collective así como con sus
bandas más pequeñas. Es un artesano muy respetado que toca está
firmemente arraigado en la tradición del jazz. Sus conciertos están
fuertemente influenciados por el jazz de la pista de baile, el surf y el
punk, el free jazz y la música tradicional de todo el mundo, atrayendo a
los aficionados a la música aventurera de todos los géneros, así como a
los aficionados al jazz directo.
Hoy en día Benjamin Herman es uno de los músicos de jazz más originales y
productivos de los Países Bajos, que explora las influencias más allá
de los confines del mundo del jazz. Después de crear su propio sello
discográfico 'Roach Records' en 2004, Benjamin Herman produjo una serie
de cd's y vinilos. Grabó y realizó giras con, entre otros, Paul Weller,
Dr. John, Tony Allen, Stan Tracey, Misha Mengelberg, Han Bennink, Peter
Maffay, programó varios festivales, tocó en todo el mundo y trabajó en
numerosos proyectos personales. Entre los muchos premios y galardones se
encuentran el prestigioso premio VPRO/Boy Edgar y el 'Best Dressed man'
de la revista Esquire.
En 2017 New Cool Collective publicó dos nuevos álbumes (uno con el
saxofonista alto senegalés Thierno Koite de la Orquesta Baobab) y
Benjamin publicó un álbum en directo en el sello ICP con The Quartet NL.
Un cuarteto holandés de estrellas con el baterista Han Bennink (74), el
bajista Ruud Jacobs (78) y el pianista Peter Beets.
En 2018, para celebrar su 50 cumpleaños, Benjamin lanzó 'Project S', una
exquisita oda al coche elegido por Johan Cruyff, el 'Citroën SM' y el
álbum de punk-jazz 'Bughouse', con el guitarrista Reinier Baas, el
bajista Peter Peskens (Jungle By Night) y el legendario baterista de
hardcore Olav van den Berg (Lärm, Seein' Red, Marxbros).
El otoño de 2019 verá el lanzamiento digital de los álbumes de Benjamín 'Deelder 65′ (2009)'.
El álbum debut en solitario de Benjamín de la primavera de 2020, 'Café
Alto', también estará en línea y verá el lanzamiento del vinilo de 10″
'One for Guidi' con varios temas de la sesión de trío del año pasado con
los jóvenes leones Gideon Tazelaar (ts), Ian Cleaver (tp) y Timothy
Banchet (p).
https://www.benjaminherman.nl/Sunday, June 7, 2026
Tuesday, June 2, 2026
Herbie Mann • Flautista!
After adding Cuban-born conguero Carlos “Patato” Valdes to his backing
group on the recommendation of jazz DJ Sid Torin, Herbie Mann mounted a
State Department-sponsored tour of Africa that further expanded his
musical horizons — Flautista!, recorded live at New York City’s Basin
Street East in June 1959, captures the flutist’s deepening immersion in
global rhythms and harmonies, documenting a pan-cultural jazz aesthetic
that points the way for the myriad world music efforts that followed in
its wake. Favoring a subtle, thoughtful combination of bebop melodies
and Afro-Cuban rhythms, the group — also including Valdes, vibraphonist
Johnny Rae, bassist Knobby Totah, and percussionists Santos Miranda and
Luis Mangual — delivers a beautifully light yet hypnotically insistent
performance that suffers from none of the awkwardness endemic among
these kinds of early fusion efforts. Mann even detours to the Far East
for a cool, graceful rendition of the exotica staple “Caravan.” Verve’s
1998 reissue appends a pair of unreleased cuts, “Delilah” and “Basin
Street Este.”
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Después de incorporar al conguero de origen cubano Carlos "Patato" Valdés a su grupo de acompañamiento por recomendación del DJ de jazz Sid Torin, Herbie Mann emprendió una gira por África patrocinada por el Departamento de Estado que amplió aún más sus horizontes musicales. Flautista!, grabado en directo en el Basin Street East de Nueva York en junio de 1959, capta la inmersión cada vez mayor del flautista en los ritmos y armonías globales, documentando una estética de jazz pancultural que señala el camino para los innumerables esfuerzos de música del mundo que siguieron a su estela. El grupo, que incluye a Valdés, el vibrafonista Johnny Rae, el bajista Knobby Totah y los percusionistas Santos Miranda y Luis Mangual, ofrece una actuación muy ligera, pero hipnóticamente insistente, que no adolece de la torpeza endémica de los primeros trabajos de fusión. Mann incluso se desvía hacia el Lejano Oriente para una interpretación fresca y elegante de la canción exótica "Caravan". La reedición de Verve de 1998 añade un par de cortes inéditos, "Delilah" y "Basin Street Este".
Lori Bell • The Music of Djavan
Excelente flautista, que se reparte entre la música clásica y el jazz como en esta grabación en la que reinterpreta a Djavan.
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Review by Ken Dryden
Flautist Lori Bell explores the music of Brazilian composer Djavan in this rewarding studio session. Bell is a gifted player who doesn't resort to hot-dogging on her instrument, she is interested in getting each song's melody across without theatrics. She and pianist Tamir Hendelman (a brilliant up-and-coming player) arranged the quartet selections. The leader's lyricism is magnificent in "A Ilha (The Island")." The breezy contemporary setting of "Serrado" features an overdubbed flute in the introduction, with the leader joyfully propelled by the rhythm section. The hip samba "Luz (Light)" will appeal to smooth jazz fans who want to expand their musical horizons. Vocalist/percussionist Anna Gazolla adds an enticing, sexy vocal to "Capim." Orchestrations by Kuno Schmid are featured in three songs, with one of them, "Faltando Um Pedaço (Missing a Piece)" adding guest Angelo Metz on guitar. Recommended.
Sunday, May 31, 2026
Herbie Mann • Bird In A Silver Cage
Review by Jim Newsom
Another example of Herbie Mann's quest for new playing environments leading him to follow another trend, in this case the disco music coming out of Germany in the mid-to-late seventies. Co-producer and arranger Sylvester Levay had been behind the dance-floor success of Silver Convention, including their big hit, "Fly, Robin, Fly," and was involved with the German electronic and techno genres. On Bird in a Silver Cage, he surrounds Mann with a string ensemble from the Munich Philharmonic Orchestra, provides an insistent disco beat, tacks on some inane background vocals and lets the flute master fly over top. This works fine on the title track and on "Birdwalk," a classic of the Mann repertoire of this era, but "Aria" is awful, and "The Piper" is a piece of generic disco in search of John Travolta and the spinning mirror ball.
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Reseña de Jim Newsom
Otro ejemplo de la búsqueda de Herbie Mann de nuevos entornos de juego que le llevó a seguir otra tendencia, en este caso la música disco que salió de Alemania a mediados y finales de los setenta. El coproductor y arreglista Sylvester Levay estuvo detrás del éxito en la pista de baile de Silver Convention, incluyendo su gran éxito, "Fly, Robin, Fly", y estuvo involucrado con los géneros electrónicos y tecno alemanes. En "Bird in a Silver Cage", rodea a Mann con un conjunto de cuerdas de la Orquesta Filarmónica de Múnich, le da un insistente ritmo de discoteca, toca algunas voces de fondo insustanciales y deja que el maestro de la flauta vuele por encima de todo. Esto funciona bien en la pista del título y en "Birdwalk", un clásico del repertorio de Mann de esta época, pero "Aria" es horrible, y "The Piper" es una pieza de discoteca genérica en busca de John Travolta y la bola de espejos giratoria.
Sunday, May 17, 2026
Harold Vick • Straight Up
Review by Jason Ankeny
The superb Straight Up captures Harold Vick's shift away from the lithe tenor/organ sessions of his previous work toward the bold soul-jazz of his finest recordings. Supported by an unusual but effective lineup featuring guitarist Everett Barksdale, vibist Warren Chiasson, bassist Walter Booker, and drummer Hugh Walker, Vick alternates between tenor, soprano, and flute, greatly expanding the parameters of his sound while maintaining the simplicity that is his hallmark. Above all, he remains a remarkably expressive player, communicating more in one or two notes than most reedists say over the span of an entire song.
https://www.allmusic.com/album/straight-up-mw0000669985
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Reseña de Jason Ankeny
El magnífico Straight Up captura el cambio de Harold Vick de las ágiles sesiones de tenor / órgano de su trabajo anterior hacia el atrevido soul-jazz de sus mejores grabaciones. Apoyado por una formación inusual pero efectiva con el guitarrista Everett Barksdale, el vibista Warren Chiasson, el bajista Walter Booker y el baterista Hugh Walker, Vick alterna entre tenor, soprano y flauta, ampliando enormemente los parámetros de su sonido y manteniendo la simplicidad que es su sello distintivo. Por encima de todo, sigue siendo un intérprete notablemente expresivo, que se comunica más en una o dos notas de lo que la mayoría de los reedistas dicen en el lapso de una canción completa.
https://www.allmusic.com/album/straight-up-mw0000669985
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