VA • Jazzify-Flute

 

Yusef Lateef, Roland Kirk, Bobbi Humphrey, Dave Valentin, Herbie Mann, James Moody ...

Jethro Tull • RokFlote

  

Biography by Timothy Monger
English progressive rock giants Jethro Tull are a unique phenomenon in popular music history. Their mix of heavy rock, flute-led folk melodies, blues licks, surreal, impossibly dense lyrics, and overall profundity defies easy analysis, yet in their 1970s heyday, they garnered a massive level of commercial success, notching a string of gold and platinum records and securing their place within the classic rock canon with releases like Aqualung (1971), Thick as a Brick (1972), and A Passion Play (1973). Even as critics cooled on them, Tull remained popular through later phases with their folk-rock records of the late '70s, the electronic experimentation of the early '80s, and eventually a Grammy Award-winning return to hard rock with 1987's Crest of a Knave. Led by enigmatic frontman Ian Anderson -- a singer, songwriter, guitarist, and rock's premier flutist -- Tull carried their unique amalgam with varying degrees of success into the 21st century with a 2003 Christmas album and a barrage of compilations and anniversary releases. Aside from Anderson, guitarist Martin Barre was the only other longtime member involved in most of the band's lineups and when the two parted ways in 2011, the group went on hiatus. After reviving a new version of Tull to commemorate their 50th anniversary in 2018, Anderson took the band back into the studio for a pair of late-period albums, 2022's The Zealot Gene and 2023's RökFlöte.

Jethro Tull's roots lay in the British blues boom of the late '60s. Anderson's family moved from Edinburgh to Blackpool in 1960 where he met future bandmates bassist Jeffrey Hammond-Hammond (later, simply Hammond) and keyboardist John Evans. Along with a guitarist named Michael Stephens, their first band was called the Blades -- named after James Bond's club -- who played a mix of jazzy blues and soulful dance music on the Northern club circuit. In 1965, they changed their name to the John Evan Band (Evan having dropped the "s" in his name at Hammond's suggestion) and later the John Evan Smash. By the end of 1967, Glenn Cornick had replaced Hammond on bass and the group moved to Luton in order to be closer to the center of the music scene in London. The band began to fall apart when Anderson and Cornick met guitarist/singer Mick Abrahams and drummer Clive Bunker, who had previously played together in the Toggery Five and were now members of a local blues band called McGregor's Engine.

In December of 1967, the four of them agreed to form a new group and began playing two nights a week, trying out different names, including Navy Blue and Bag of Blues. One of the names, Jethro Tull, was borrowed from an 18th century farmer/inventor and proved popular enough to stick. In early 1968, they cut a pop-folk single called "Sunshine Day," which MGM Records released under the misprinted name Jethro Toe. While the single went nowhere, the band managed to land a residency at the Marquee Club in London, where they began to attract attention. By this point Anderson had begun playing the flute, a unique, though divisive element among blues purists. Likewise, his on-stage antics -- jumping around in a ragged overcoat and standing on one leg while playing the flute -- and his use of folk sources as well as blues and jazz set Tull apart from their contemporaries. It also created something of a power struggle between Anderson and Abrahams, a hardcore blues enthusiast who idolized British blues godfather Alexis Korner. In June 1968 Jethro Tull opened for Pink Floyd at the first free rock festival in London's Hyde Park, and in August they were the hit of the Sunbury Jazz & Blues Festival in Sunbury-on-Thames. Within a month, the band had signed to Island Records which released their debut album, This Was, in November. By this time, Anderson was the dominant member of the group on-stage, and at the end of the month Abrahams left to form a new band, Blodwyn Pig. Tull went through two hastily recruited and rejected replacements, future Black Sabbath guitarist Tony Iommi (who was in Tull for a week, just long enough to show up for their appearance on the Rolling Stones' Rock 'N Roll Circus extravaganza), and Davy O'List, former guitarist with the Nice. Finally, Martin Barre, a former architecture student, became the band's new guitarist.

In May 1969, following tours with Jimi Hendrix and Led Zeppelin, Tull scored a number three U.K. hit with "Living in the Past." The single served as Barre's first recording with the group and they subsequently made their Top of the Pops debut. Released in July of that year, their second album, Stand Up, topped the U.K. charts and made it to number 20 in the U.S., effectively launching their mainstream career. With all of its material (except "Bourée," which was composed by Johann Sebastian Bach) written by Anderson, it marked a move away from Tull's blues origins, taking a more eclectic approach that also included orchestrations by future member David Palmer. Meanwhile, "Sweet Dream," issued in November, rose to number seven in England, and was the group's first release on Chrysalis, the new label formed by band managers Chris Wright and Terry Ellis. Their next single, "The Witch's Promise" reached number four in England in January of 1970. Released a few months later, Tull's third album, Benefit, marked their last look back at the blues, and was the first to feature John Evan, Anderson's longtime friend and former bandmate, on piano and organ. Benefit reached the number three spot in England, and ascended to number 11 in the U.S. Songs like "Teacher" and "Sossity; You're a Woman," formed a key part of Tull's stage repertory as they transitioned into a major touring draw on both sides of the Atlantic.

At the end of 1970, Cornick left the group and was replaced on bass by another of Anderson's former bandmates, Jeffrey Hammond-Hammond. Early the following year, they began working on what would prove to be, for many fans, their magnum opus, Aqualung. Anderson's writing had been moving in a more serious direction since the group's second album, but it was with Aqualung that he found the lyrical voice he'd been seeking. Released in March 1971 and split into two halves (subtitled Aqualung and My God), it introduced the progressive element -- along with searing hard rock passages and acoustic folk influences -- that would define much of Tull's early-'70s output. Its standouts included the hard-driving title cut and "Locomotive Breath" along with the folky "Mother Goose." The album's opinions on organized religion and themes of alienation struck a chord with listeners in the U.K. and in the U.S., where it became their first to achieve gold certification.

Not long after its release, Bunker was replaced on drums by yet another of Anderson's pre-Tull associates, Barriemore Barlow, who made his debut on 1972's Thick as a Brick. Irritated by critics who insisted on calling Aqualung a concept album (it was not), Anderson countered with Thick as a Brick, a parody of the concept album consisting of a single 43-minute track. Loaded with surreal imagery, Monty Python-inspired humor, and social commentary, it topped the charts in the U.S, Canada, and Australia, while reaching number five in the U.K. With Tull's heightened fame came rising demand for their work and Chrysalis responded with Living in the Past, a double-album anthology culled from their various singles, EPs, early albums, and a Carnegie Hall show. A double-album project of new material was attempted at Château d'Hérouville, a French studio then popular with the Rolling Stones and Elton John, but they soon abandoned the sessions and recorded their next LP, 1973's A Passion Play, in England. Like Thick as a Brick, it was conceived as a single-track concept album steeped in fantasy and religious imagery, and included a spoken word story narrated by Hammond called "The Hare That Lost His Spectacles." Despite critical backlash for its obscure lyrical references and excessive length, the album again reached number one in America (yielding a number eight single edited from the extended piece) and number 13 in England. As Jethro Tull's sold-out American tour commenced, the negative reviews increased with critics lambasting the band for their long (two-and-a-half hours) and overwrought stage shows, to the point that a frustrated Anderson soon shut himself away from the press entirely. The lack of positive press did little to deter fans from supporting their seventh album, War Child, which reached number two in the U.S. and went platinum. Conceived as part of a film project that never materialized, War Child was released in November 1974 and marked the group's return to conventional-length songs, and spawned a charting hit in "Bungle in the Jungle." That same year, Anderson produced Now We Are Six, the sixth album by U.K. folk-rock group and Chrysalis labelmates Steeleye Span. The English folk-rock scene would prove to be an influence on his own writing, especially in the latter years of the decade. The next Tull album, 1975's Minstrel in the Gallery took cues from Elizabethan minstrelsy, pairing rock and English folk in an eclectic way that harkened back to Aqualung. At this point the band's American success still outweighed their popularity at home, though they were trending downward on both charts.

The Jethro Tull lineup had been remarkably stable ever since Clive Bunker's post-Aqualung exit, remaining constant across four albums in as many years. In January of 1976, however, Hammond left the band to pursue a career in art. His replacement, John Glascock, joined in time for the recording of 1976's Too Old to Rock 'n Roll, Too Young to Die, an album made up partly of songs from an unproduced play proposed by Anderson and Palmer. The group later did an ITV special built around the album's songs, and the title track featured guest vocals from Steeleye Span frontwoman Maddy Prior. After achieving a moderate hit in late 1976 with the Christmas-themed EP Ring Out, Solstice Bells, Tull moved into their folk-rock phase with 1977's Songs from the Wood. More artistically unified and successful than their previous two releases, it reflected Anderson's passion for English folk songs. To celebrate its release, they undertook their first British tour in nearly three years. In May of that year, longtime collaborator and orchestrator David Palmer joined as a full-time member, playing keyboards. 1978's Heavy Horses continued in the folk-rock vein and was Anderson's most personal work in several years, its title track expressing his regret over the disappearance of England's huge shire horses as casualties of modernization. Later in the year, Tull's first full-length concert album, the double-LP Bursting Out: Jethro Tull Live, was released to modest success, accompanied by a tour of the United States and an international television broadcast from Madison Square Garden. 1979 proved to be both pivotal and tragic for the group. On November 17, bassist John Glascock died from complications of heart surgery, barely a month after the release of their 12th album Stormwatch. Longtime Fairport Convention bassist Dave Pegg stepped in to fill his shoes, but after the album's tour, there was something of a mass exodus, with Palmer, Evan, and Barlow all leaving the band.

The '80s began with Anderson attempting his first solo record. Backed by Barre, Pegg, and Mark Craney on drums, with multi-instrumentalist Eddie Jobson on violin, the ensuing album, A, saw release in September, though at the behest of Chrysalis, it was credited to Jethro Tull rather than Anderson. The new version of Tull toured in support of the album, which was more electronic and synth-driven than anything they'd previously made. Jobson left once the tour was over, and it was with yet another new lineup -- including Barre, Pegg, Fairport/Fotheringay alumnus Gerry Conway (drums) and Peter-John Vettesse (keyboards) -- that The Broadsword and the Beast was recorded in 1982. Although this album had many songs based on folk melodies, it again relied increasingly on the use of synthesizers. In 1983, Anderson finally made his first official solo album, Walk Into Light, which took him more fully into electronic mode. Following its lackluster performance, Anderson revived Jethro Tull for 1984's Under Wraps. The album's poor chart performance was partly a consequence of Anderson's developing a throat infection that forced the postponement of much of their planned tour. Still battling intermittent throat issues, Anderson and the group appeared on a German television special in March of 1985 and participated in a presentation of their work by the London Symphony Orchestra. To make up for the shortfall of new releases, Chrysalis released another compilation, Original Masters, a collection of highlights of the group's work, in late 1985 followed a year later by the orchestral A Classic Case: The London Symphony Orchestra Plays the Music of Jethro Tull.

With the 1987 release of their next album, Crest of a Knave, the band's fortunes began to shift. It performed surprisingly well on the charts, reaching number 19 in England and number 32 in America with the support of a world tour. Moreover, Crest of a Knave became something of a watershed in Tull's later history, though few would have guessed it at the time of its release. Bearing the sonic hallmarks of the era, the album was a mix of slickly produced hard and soft rock with plenty of synthesizers and occasional folk-rock touches. The following year, Tull toured the United States as part of their 20th anniversary celebration which also included the release of a career-spanning 65-song box set, 20 Years of Jethro Tull. In a surprise upset at the 1989 Grammy Awards, Tull beat out the heavily favored Metallica, winning Best Hard Rock/Metal Performance for Crest of a Knave. Capitalizing on their revival, they delivered the similarly styled Rock Island later that year which reached a healthy number 18 in England while peaking at 56 in America, despite a six-week U.S. tour to support the album.

Tull kicked off the next decade with 1991's Catfish Rising, followed a year later by And a Little Light Music, an acoustic live album that tapped into the then-prevalent unplugged fad. Despite declining numbers, the band continued playing to good-sized houses when they toured, and their catalog as a whole performed extremely well. In 1993, they celebrated their quarter-century mark with another anthology, the four-disc 25th Anniversary Box Set, which featured remixed versions of their hits, live shows from across their history, and a handful of new songs. Meanwhile, Anderson continued to write and record music apart from the group on occasion, most notably Divinities: Twelve Dances with God, a classically oriented solo album on EMI's classical imprint Angel Records. Moving into a more globally inspired phase, Tull issued Roots to Branches in 1995. Its fusion of rock and jazz with Arabic and Indian influences sat well with critics and they continued in this mode on 1999's similarly themed J-Tull.Dot.Com, their 20th studio outing. On the latter album, Pegg was replaced by incoming bassist Jonathan Noyce and both albums featured keyboardist Andrew Giddings.

In 2002, a one-off reunion of the band's original 1968 lineup (Anderson, Abrahams, Cornick, and Bunker) took place at a pub in England and was filmed for the DVD release Living with the Past. A year later, the contemporary Tull lineup (Anderson, Barre, Noyce, Giddings, and Perry) recorded what would be their final release together, The Jethro Tull Christmas Album. A collection of holiday songs both old and new, it turned out to be the group's biggest seller since Crest of a Knave, though it would also be their last studio album for nearly two decades. Meanwhile, Anderson continued to play live, both on his own and with the latter-day lineup who toured the entire Aqualung album in 2004 and released the concert album Aqualung Live. They also dug into the vaults and released Nothing Is Easy: Live at the Isle of Wight 1970 as well as the live compilation The Best of Acoustic Jethro Tull. Finally, in 2011, the long-lasting partnership of Anderson and Barre was severed and the two went their separate ways.

Barre put together his own touring group, Martin Barre's New Day, while Anderson forged ahead as a solo artist, though he never strayed far from the Tull oeuvre. His first project was an ambitious 2012 sequel to Thick as a Brick, simply titled Thick as a Brick 2. It was followed in 2014 by another Thick as a Brick-related collection of new material, Homo Erraticus. He also toured a new project, Jethro Tull: The Rock Opera, that involved reworked older songs along with new material written about the band's namesake, agriculturist Jethro Tull. In 2018, another milestone anniversary was honored with the compilation 50 for 50, which celebrated the group's 50th anniversary. Anderson continued to flirt with a possible Tull reunion, and at the end of 2019, he announced a U.K. tour titled The Prog Years, which was attributed to Ian Anderson & the Jethro Tull Band. The plans were subsequently canceled in early 2020 at the start of the global pandemic lockdowns. During this period, Anderson continued to record new material, which in 2022 was revealed to be The Zealot Gene, an album credited to Jethro Tull. Their first album of all-new material since 1999's J-Tull.Dot.Com, it saw Anderson joined by guitarist Florian Opahle, bassist David Goodier, keyboardist John O'Hara, and drummer Scott Hammond. A follow-up album, RökFlöte, arrived one year later with mostly the same lineup, minus Opahle, who had been replaced by guitarist Joe Parrish-James.
https://www.allmusic.com/artist/jethro-tull-mn0000850692#biography

///////

Biografía de Timothy Monger
Los gigantes ingleses del rock progresivo Jethro Tull son un fenómeno único en la historia de la música popular. Su mezcla de rock pesado, melodías folclóricas dirigidas por flauta, blues, letras surrealistas, imposiblemente densas y profundidad general desafía el análisis fácil, sin embargo, en su apogeo de la década de 1970, obtuvieron un gran nivel de éxito comercial, obteniendo una serie de discos de oro y platino y asegurando su lugar dentro del canon del rock clásico con lanzamientos como Aqualung (1971), Thick as a Brick (1972) y A Passion Play (1973). Incluso cuando los críticos se enfriaron con ellos, Tull siguió siendo popular en fases posteriores con sus discos de folk-rock de finales de los 70, la experimentación electrónica de principios de los 80 y, finalmente, un regreso ganador del Premio Grammy al hard rock con Crest of a Knave de 1987. Liderado por el enigmático líder Ian Anderson, cantante, compositor, guitarrista y flautista principal del rock, Tull llevó su amalgama única con diversos grados de éxito al siglo XXI con un álbum navideño de 2003 y un aluvión de compilaciones y lanzamientos de aniversario. Aparte de Anderson, el guitarrista Martin Barre era el único otro miembro veterano involucrado en la mayoría de las formaciones de la banda y cuando los dos se separaron en 2011, el grupo hizo una pausa. Después de revivir una nueva versión de Tull para conmemorar su 50 aniversario en 2018, Anderson llevó a la banda de regreso al estudio para un par de álbumes de finales del período, The Zealot Gene de 2022 y RökFlöte de 2023.

Las raíces de Jethro Tull se encuentran en el boom del blues británico de finales de los 60. La familia de Anderson se mudó de Edimburgo a Blackpool en 1960, donde conoció al futuro bajista de su banda Jeffrey Hammond-Hammond (más tarde, simplemente Hammond) y al tecladista John Evans. Junto con un guitarrista llamado Michael Stephens, su primera banda se llamó The Blades, llamada así por el club de James Bond, que tocaba una mezcla de blues jazzístico y música dance conmovedora en el circuito de clubes del Norte. En 1965, cambiaron su nombre a John Evan Band (Evan dejó caer la "s" en su nombre por sugerencia de Hammond) y más tarde a John Evan Smash. A finales de 1967, Glenn Cornick había reemplazado a Hammond en el bajo y el grupo se mudó a Luton para estar más cerca del centro de la escena musical de Londres. La banda comenzó a desmoronarse cuando Anderson y Cornick conocieron al guitarrista/cantante Mick Abrahams y al baterista Clive Bunker, quienes previamente habían tocado juntos en Toggery Five y ahora eran miembros de una banda de blues local llamada McGregor's Engine.

En diciembre de 1967, los cuatro acordaron formar un nuevo grupo y comenzaron a tocar dos noches a la semana, probando diferentes nombres, incluidos Navy Blue y Bag of Blues. Uno de los nombres, Jethro Tull, fue tomado de un granjero / inventor del siglo XVIII y resultó lo suficientemente popular como para quedarse. A principios de 1968, lanzaron un sencillo pop-folk llamado "Sunshine Day", que MGM Records lanzó bajo el nombre mal impreso de Jethro Toe. Si bien el sencillo no llegó a ninguna parte, la banda logró obtener una residencia en el Marquee Club de Londres, donde comenzaron a llamar la atención. En este punto, Anderson había comenzado a tocar la flauta, un elemento único, aunque divisivo, entre los puristas del blues. Asimismo, sus payasadas en el escenario, saltando con un abrigo andrajoso y parándose sobre una pierna mientras tocaba la flauta , y su uso de fuentes folclóricas, así como de blues y jazz, diferenciaron a Tull de sus contemporáneos. También creó una especie de lucha de poder entre Anderson y Abrahams, un entusiasta del blues hardcore que idolatraba al padrino del blues británico Alexis Korner. En junio de 1968, Jethro Tull abrió para Pink Floyd en el primer festival de rock gratuito en Hyde Park de Londres, y en agosto fueron el éxito del Festival de Jazz y Blues de Sunbury en Sunbury-on-Thames. En un mes, la banda había firmado con Island Records, que lanzó su álbum debut, This Was, en noviembre. Para entonces, Anderson era el miembro dominante del grupo en el escenario, y a fines de mes Abrahams se fue para formar una nueva banda, Blodwyn Pig. Tull pasó por dos reemplazos reclutados apresuradamente y rechazados, el futuro guitarrista de Black Sabbath Tony Iommi (que estuvo en Tull durante una semana, el tiempo suficiente para aparecer en el espectáculo de circo Rock ' N Roll de los Rolling Stones) y Davy O'List, ex guitarrista de the Nice. Finalmente, Martin Barre, un ex estudiante de arquitectura, se convirtió en el nuevo guitarrista de la banda.

En mayo de 1969, después de giras con Jimi Hendrix y Led Zeppelin, Tull obtuvo un éxito número tres en el Reino Unido con "Living in the Past."El sencillo sirvió como la primera grabación de Barre con el grupo y posteriormente hicieron su debut en Top of the Pops. Lanzado en julio de ese año, su segundo álbum, Stand Up, encabezó las listas del Reino Unido y llegó al número 20 en los EE.UU., lanzando efectivamente su carrera comercial. Con todo su material (excepto "Bourée", que fue compuesto por Johann Sebastian Bach) escrito por Anderson, marcó un alejamiento de los orígenes del blues de Tull, adoptando un enfoque más ecléctico que también incluyó orquestaciones del futuro miembro David Palmer. Mientras tanto, "Sweet Dream", publicado en noviembre, subió al número siete en Inglaterra, y fue el primer lanzamiento del grupo en Chrysalis, el nuevo sello formado por los gerentes de la banda Chris Wright y Terry Ellis. Su siguiente sencillo," The Witch's Promise", alcanzó el número cuatro en Inglaterra en enero de 1970. Lanzado unos meses después, el tercer álbum de Tull, Benefit, marcó su última mirada retrospectiva al blues y fue el primero en presentar a John Evan, amigo de Anderson desde hace mucho tiempo y excompañero de banda, al piano y al órgano. Benefit alcanzó el puesto número tres en Inglaterra y ascendió al número 11 en los EE.UU. Canciones como "Teacher" y "Sossity; You're a Woman" formaron una parte clave del repertorio escénico de Tull a medida que pasaban a ser un gran atractivo de gira a ambos lados del Atlántico.

A finales de 1970, Cornick dejó el grupo y fue reemplazado en el bajo por otro de los excompañeros de Anderson, Jeffrey Hammond-Hammond. A principios del año siguiente, comenzaron a trabajar en lo que resultaría ser, para muchos fanáticos, su obra maestra, Aqualung. La escritura de Anderson se había estado moviendo en una dirección más seria desde el segundo álbum del grupo, pero fue con Aqualung que encontró la voz lírica que había estado buscando. Lanzado en marzo de 1971 y dividido en dos mitades (subtitulado Aqualung y My God), introdujo el elemento progresivo, junto con pasajes abrasadores de hard rock e influencias acústicas folclóricas, que definirían gran parte de la producción de Tull a principios de los 70. Sus aspectos más destacados incluyeron el corte del título de conducción dura y "Locomotive Breath" junto con el folky "Mother Goose."Las opiniones del álbum sobre la religión organizada y los temas de alienación tocaron la fibra sensible de los oyentes en el Reino Unido y en los EE. UU., donde se convirtió en el primero en lograr la certificación de oro.

No mucho después de su lanzamiento, Bunker fue reemplazado en la batería por otro de los asociados anteriores a Anderson, Barriemore Barlow, quien hizo su debut en Thick as a Brick de 1972. Irritado por los críticos que insistieron en llamar a Aqualung un álbum conceptual( no lo era), Anderson respondió con Thick as a Brick, una parodia del álbum conceptual que consistía en una sola pista de 43 minutos. Cargado de imágenes surrealistas, humor inspirado en Monty Python y comentarios sociales, encabezó las listas de éxitos en los EE. UU., Canadá y Australia, mientras que alcanzó el número cinco en el Reino Unido. Con la mayor fama de Tull llegó una creciente demanda de su trabajo y Chrysalis respondió con Living in the Past, una antología de doble álbum extraída de sus diversos sencillos, EPs, primeros álbumes y un espectáculo en el Carnegie Hall. Se intentó un proyecto de doble álbum de nuevo material en Château d'Hérouville, un estudio francés entonces popular entre los Rolling Stones y Elton John, pero pronto abandonaron las sesiones y grabaron su siguiente LP, A Passion Play de 1973, en Inglaterra. Como Thick as a Brick, fue concebido como un álbum conceptual de una sola pista impregnado de fantasía e imágenes religiosas, e incluía una historia de palabra hablada narrada por Hammond llamada "La Liebre Que perdió Sus Anteojos"."A pesar de la reacción crítica por sus oscuras referencias líricas y su excesiva duración, el álbum volvió a alcanzar el número uno en Estados Unidos (obteniendo un sencillo número ocho editado de la pieza extendida) y el número 13 en Inglaterra. Cuando comenzó la gira estadounidense con entradas agotadas de Jethro Tull, las críticas negativas aumentaron y los críticos criticaron a la banda por sus largos (dos horas y media) y exagerados espectáculos teatrales, hasta el punto de que Anderson, frustrado, pronto se alejó por completo de la prensa. La falta de prensa positiva hizo poco para disuadir a los fanáticos de apoyar su séptimo álbum, War Child, que alcanzó el número dos en los EE.UU. y fue platino. Concebido como parte de un proyecto cinematográfico que nunca se materializó, War Child fue lanzado en noviembre de 1974 y marcó el regreso del grupo a las canciones de duración convencional, y generó un éxito en las listas de éxitos en "Bungle in the Jungle."Ese mismo año, Anderson produjo Now We Are Six, el sexto álbum del grupo de folk-rock del Reino Unido y sus compañeros de sello Chrysalis Steeleye Span. La escena folk-rock inglesa resultaría ser una influencia en su propia escritura, especialmente en los últimos años de la década. El siguiente álbum de Tull, Minstrel in the Gallery de 1975, tomó señales de la juglaría isabelina, combinando rock y folk inglés de una manera ecléctica que se remontaba a Aqualung. En este punto, el éxito estadounidense de la banda aún superaba su popularidad en casa, aunque tenían una tendencia a la baja en ambas listas.

La formación de Jethro Tull había sido notablemente estable desde la salida posterior a Aqualung de Clive Bunker, manteniéndose constante en cuatro álbumes en otros tantos años. Sin embargo, en enero de 1976, Hammond dejó la banda para seguir una carrera artística. Su reemplazo, John Glascock, se unió a tiempo para la grabación de Too Old to Rock ' n Roll, Too Young to Die de 1976, un álbum compuesto en parte por canciones de una obra de teatro no producida propuesta por Anderson y Palmer. Más tarde, el grupo hizo un especial de ITV basado en las canciones del álbum, y la canción principal contó con la voz invitada de la líder de Steeleye Span, Maddy Prior. Después de lograr un éxito moderado a fines de 1976 con el EP navideño Ring Out, Solstice Bells, Tull pasó a su fase de folk-rock con Songs from the Wood de 1977. Más artísticamente unificado y exitoso que sus dos lanzamientos anteriores, reflejó la pasión de Anderson por las canciones folclóricas inglesas. Para celebrar su lanzamiento, realizaron su primera gira británica en casi tres años. En mayo de ese año, el colaborador y orquestador David Palmer se unió como miembro de tiempo completo, tocando los teclados. Heavy Horses de 1978 continuó en la vena folk-rock y fue el trabajo más personal de Anderson en varios años, su canción principal expresaba su pesar por la desaparición de los enormes caballos shire de Inglaterra como víctimas de la modernización. Más tarde ese año, el primer álbum de conciertos de larga duración de Tull, el doble LP Bursting Out: Jethro Tull Live, fue lanzado con un éxito modesto, acompañado de una gira por los Estados Unidos y una transmisión televisiva internacional desde el Madison Square Garden. 1979 resultó ser crucial y trágico para el grupo. El 17 de noviembre, el bajista John Glascock murió por complicaciones de una cirugía cardíaca, apenas un mes después del lanzamiento de su duodécimo álbum Stormwatch. Dave Pegg, bajista de Fairport Convention desde hace mucho tiempo, intervino para ocupar su lugar, pero después de la gira del álbum, hubo una especie de éxodo masivo, con Palmer, Evan y Barlow dejando la banda.

Los años 80 comenzaron con Anderson intentando su primer disco en solitario. Respaldado por Barre, Pegg y Mark Craney a la batería, con el multiinstrumentista Eddie Jobson al violín, el álbum subsiguiente, A, se lanzó en septiembre, aunque a instancias de Chrysalis, se le atribuyó a Jethro Tull en lugar de a Anderson. La nueva versión de Tull realizó una gira en apoyo del álbum, que era más electrónico y basado en sintetizadores que cualquier cosa que hubieran hecho anteriormente. Jobson se fue una vez que terminó la gira, y fue con otra nueva formación, incluidos Barre, Pegg, el alumno de Fairport/Fotheringay Gerry Conway (batería) y Peter-John Vettesse (teclados), que The Broadsword and the Beast se grabó en 1982. Aunque este álbum tenía muchas canciones basadas en melodías folclóricas, nuevamente se basó cada vez más en el uso de sintetizadores. En 1983, Anderson finalmente hizo su primer álbum oficial en solitario, Walk Into Light, que lo llevó más al modo electrónico. Tras su mediocre actuación, Anderson revivió a Jethro Tull para Under Wraps de 1984. El pobre desempeño en las listas de éxitos del álbum fue en parte consecuencia de que Anderson desarrolló una infección de garganta que obligó a posponer gran parte de su gira planificada. Aún luchando contra problemas intermitentes de garganta, Anderson y el grupo aparecieron en un especial de televisión alemán en marzo de 1985 y participaron en una presentación de su trabajo por parte de la Orquesta Sinfónica de Londres. Para compensar el déficit de nuevos lanzamientos, Chrysalis lanzó otra compilación, Original Masters, una colección de lo más destacado del trabajo del grupo, a fines de 1985 seguida un año después por la orquestal A Classic Case: La Orquesta Sinfónica de Londres toca la música de Jethro Tull.

Con el lanzamiento en 1987 de su próximo álbum, Crest of a Knave, la suerte de la banda comenzó a cambiar. Tuvo un desempeño sorprendentemente bueno en las listas de éxitos, alcanzando el número 19 en Inglaterra y el número 32 en Estados Unidos con el apoyo de una gira mundial. Además, Crest of a Knave se convirtió en un hito en la historia posterior de Tull, aunque pocos lo habrían adivinado en el momento de su lanzamiento. Con las características sonoras de la época, el álbum fue una mezcla de rock duro y blando hábilmente producido con muchos sintetizadores y toques ocasionales de folk-rock. Al año siguiente, Tull realizó una gira por los Estados Unidos como parte de la celebración de su vigésimo aniversario, que también incluyó el lanzamiento de un box set de 65 canciones que abarcó su carrera, 20 Years of Jethro Tull. En una sorpresa sorpresa en los Premios Grammy de 1989, Tull venció a Metallica, ganando la mejor Interpretación de Hard Rock/Metal por Crest of a Knave. Aprovechando su renacimiento, entregaron Rock Island, de estilo similar, más tarde ese año, que alcanzó un saludable número 18 en Inglaterra, mientras que alcanzó el puesto 56 en Estados Unidos, a pesar de una gira de seis semanas por Estados Unidos para promocionar el álbum.

Tull inició la próxima década con Catfish Rising de 1991, seguido un año después por And a Little Light Music, un álbum acústico en vivo que aprovechó la moda desenchufada entonces predominante. A pesar de la disminución de números, la banda continuó tocando en casas de buen tamaño cuando salieron de gira, y su catálogo en su conjunto funcionó extremadamente bien. En 1993, celebraron su marca de un cuarto de siglo con otra antología, la Caja Recopilatoria del 25 Aniversario de cuatro discos, que incluía versiones remezcladas de sus éxitos, shows en vivo de toda su historia y un puñado de canciones nuevas. Mientras tanto, Anderson continuó escribiendo y grabando música aparte del grupo en ocasiones, sobre todo Divinities: Twelve Dances with God, un álbum en solitario de orientación clásica en el sello clásico Angel Records de EMI. Pasando a una fase de inspiración más global, Tull emitió Roots to Branches en 1995. Su fusión de rock y jazz con influencias árabes e indias sentó bien a los críticos y continuaron de esta manera en 1999 con un tema similar J-Tull.Dot.Com, su vigésima salida de estudio. En este último álbum, Pegg fue reemplazado por el bajista entrante Jonathan Noyce y ambos álbumes contaron con el tecladista Andrew Giddings.

En 2002, se llevó a cabo una reunión única de la formación original de la banda en 1968 (Anderson, Abrahams, Cornick y Bunker) en un pub de Inglaterra y se filmó para el lanzamiento del DVD Living with the Past. Un año después, la formación contemporánea de Tull (Anderson, Barre, Noyce, Giddings y Perry) grabó lo que sería su último lanzamiento juntos, el Álbum Navideño de Jethro Tull. Una colección de canciones navideñas tanto antiguas como nuevas, resultó ser el mayor vendedor del grupo desde Crest of a Knave, aunque también sería su último álbum de estudio en casi dos décadas. Mientras tanto, Anderson continuó tocando en vivo, tanto por su cuenta como con la formación de los últimos días que realizó una gira por todo el álbum Aqualung en 2004 y lanzó el álbum de conciertos Aqualung Live. También cavaron en las bóvedas y lanzaron Nothing Is Easy: Live at the Isle of Wight 1970, así como la compilación en vivo The Best of Acoustic Jethro Tull. Finalmente, en 2011, la asociación duradera de Anderson y Barre se rompió y los dos tomaron caminos separados.

Barre formó su propio grupo de gira, Martin Barre's New Day, mientras que Anderson siguió adelante como solista, aunque nunca se alejó mucho de la obra de Tull. Su primer proyecto fue una ambiciosa secuela de Thick as a Brick de 2012, titulada simplemente Thick as a Brick 2. Le siguió en 2014 otra colección de material nuevo relacionado con Thick as a Brick, Homo Erraticus. También realizó una gira por un nuevo proyecto, Jethro Tull: The Rock Opera, que incluía canciones antiguas reelaboradas junto con nuevo material escrito sobre el homónimo de la banda, el agricultor Jethro Tull. En 2018, se honró otro aniversario histórico con la compilación 50 for 50, que celebró el 50 aniversario del grupo. Anderson continuó coqueteando con una posible reunión de Tull y, a fines de 2019, anunció una gira por el Reino Unido titulada The Prog Years, que se atribuyó a Ian Anderson & the Jethro Tull Band. Posteriormente, los planes se cancelaron a principios de 2020 al comienzo de los cierres pandémicos globales. Durante este período, Anderson continuó grabando nuevo material, que en 2022 se reveló como The Zealot Gene, un álbum acreditado a Jethro Tull. Su primer álbum de material completamente nuevo desde 1999 J-Tull.Dot.Com, vio a Anderson acompañado por el guitarrista Florian Opahle, el bajista David Goodier, el tecladista John O'Hara y el baterista Scott Hammond. Un álbum de seguimiento, RökFlöte, llegó un año después con casi la misma formación, menos Opahle, quien había sido reemplazado por el guitarrista Joe Parrish-James.

jethrotull.com ...

 
   

Herbie Mann • Herbie Mann Plays

Biography

The world according to flutist and composer Herbie Mann was a utopian musical paradise where jazz is made up of of Afro-Cuban, Middle-Eastern, R&B, and nearly every other kind of music. In the 1960s, he discovered Brazil's bossa-nova; in the 1970s, he even found disco rhythms in jazz.

Unlike most of his contemporaries in jazz, when Mann began playing flute in 1940s he had no forefathers to learn from, no pioneers of jazz flute to idolize. He was forced to look elsewhere—both inside and outside of jazz—to develop his approach to jazz and the flute. Among numerous musical influences, Mann was particularly drawn to rhythms and melodies from South America and the Caribbean.

Herbie Mann was born Herbert Jay Solomon in Brooklyn, New York, on April 16, 1930. Early in his childhood, Mann was so enthralled with rhythm that he wanted to be a drummer. Instead, a cousin of his mother convinced him to play the clarinet.

In 1948, Mann began serving four years in the army and while stationed in Trieste, Italy, he began playing saxophone in the military band. After his discharge from the service, he saw a jazz scene overflowing with sax players and he fell back on his second instrument, the flute. When the Dutch accordionist, Mat Matthews, told him he was looking for a jazz flute player for the first album by the then unknown Carmen McRae, Herbie immediately jumped at the opportunity and spent days “woodshedding” before going into the studio. With this opportunity he was able to distinguish himself from other players as a jazz flutist, of which there were few.

In 1954, Mann released his first album for Bethlehem Records, “Herbie Mann Plays.” Although at that time he was jamming with bebop innovators like bassist Milt Hinton, drummers Art Blakey and Kenny Clarke, and pianist Tommy Flanagan, Mann was never truly comfortable playing straight-ahead bebop. As he began to bring non-jazz elements into his sound, Mann's flute playing began to sound tougher and more aggressive.

Three years later, Mann made the first of three albums for Verve Records, titled “The Magic Flute of Herbie Mann.” The album featured, “The Evolution of Mann” which became an instant hit on the radio thanks to New York disc jockey, “Symphony Sid” Torin. Mann then formed an Afro-Cuban band with percussionists like Rudy Collins, Ray Mantilla, and Carlos “Patato” Valdez, all from Cuba's legendary Machito Orchestra. Because Mann was able to pay the percussionists more money than what they were making with the other Latin orchestras, a rift was created between Mann and many of the other Latin bandleaders. Eventually, Mann's interest in Afro-Cuban jazz led him to the music's source—Africa. In 1959, the U.S. State Department funded a trip for Mann to visit Africa, after they heard his version of “African Suite.”

After his trip to Africa, Mann moved to Atlantic Records, releasing “Common Ground (1960),” which embraced a wider sense of the African musical diaspora. Mann's band included musicians from Puerto Rico, Nigeria, and beyond. This added rhythmic element boosted Herbie's popularity and the list of Latin percussionists who played with him in the late 50's and 60's reads like a Who's Who of the genre: Candido, Ray Barretto, Olatunji, Potato Valdes, Willie Bobo and others. Audiences around the world loved this sound.

Mann recorded a live album at New York City's Village Gate jazz club in 1961, the set featured “Comin' Home Baby” which became Mann's first major crossover hit. The immense popularity of At the Village Gate made Mann a true superstar.

Not content to rest on his laurels, Mann forged ahead into new territory. Inspired by the classic Brazilian film Black Orpheus, Mann convinced his manager Monte Kay to book him a tour to Brazil, although he was hardly known there. Mann returned to the U.S. transformed by the music he had heard in Brazil, intent on making a Brazilian jazz album. Although guitarist Charlie Byrd and saxophonist Stan Getz had already made a smash hit in 1962 with their Brazilian jazz album, “Jazz Samba,” Mann was unimpressed. His response, also released in 1962, was “Do The Bossa Nova,” featuring more of the real deal: Brazilian musicians like Sergio Mendes, guitarist Baden Powell, and pianist and arranger Antonio Carlos Jobim.

After the bossa-nova craze ran its course, Mann ventured off into Middle Eastern music, which resulted in the 1966 album, “Impressions of the Middle East.” Two years later, Mann delved deeper into yet another genre: rhythm & blues. While in London, he heard Willie Mitchell's Hi Records hit, “Mercy” and as he had done with his exploration of Afro-Cuban music, Mann went straight to the source: Memphis, Tennesee.

After absorbing Memphis' Stax and Hi records sounds, Mann came out with the soul-jazz album “Memphis Underground;” it became his best-selling disc ever. The radio-friendly music and the explosive R&B solo work from guitarist Sonny Sharrock on the disc again infuriated jazz critics.

After the breakthrough success with “Memphis Underground,” Mann continued to explore R&B and its distant cousin, disco. In 1969, Atlantic allowed Mann to start his own label, Embryo. Mann released the sexually-charged album Push Push, in 1971, generating a significant amount of controversy over the suggestive album cover—a nude Mann posing seductively with flute in hand.

Throughout the 1970s, Mann created more distance between himself and the jazz establishment by recording reggae, disco, British rock, and Japanese music albums. By the time he recorded “Discotheque,” he hardly had a jazz core audience. Throughout the 1980s, Mann remained in obscurity when it came to jazz. However, towards the end of this ten-year period, he formed a group, Jasil Brazz, and once again reestablished his musical footing in the fertile sounds of his beloved Brazil. He produced two records, “Jasil Brazz,” and “Opalescence,” featuring Brazilian guitarists Romero Lubambo and Ricardo Silveira. Throughout the label “shifts”, he retained his rights to these recordings and in l992 formed his own label, Kokopelli Music. He launched the label with the release of “Deep Pocket,” an all star, soul/jazz recording featuring Les McCann, Cornell Dupree, David Newman and Chuck Rainey.

Two years later, Herbie went into a partnership and Kokopelli Music was expanded to Kokopelli Records. This year and a half venture produced nearly a dozen recordings including Herbie's “Peace Pieces,” a tribute to the music of Bill Evans, featuring guitarist Bruce Dunlap, Eddie Gomez and Randy Brecker.

Herbie released two albums on the Lightyear label from his l995 weeklong celebration of his 65th birthday. The recordings, “Celebration,” and “America Brasil,” feature many of his longtime friends and musical partners from his past, including David “Fathead” Newman, Dave Valentin, Ron Carter, Billy Taylor, Tito Puente, Randy Brecker, Claudio Roditi and others.

By 1997, he was diagnosed with inoperable prostate cancer, and the disease finally took his life on July 1, 2003.

Herbie Mann's career does not lend itself to easy characterization. At the same time, though, his recorded work speaks volumes about his ability to merge widely-varying forms into a coherent and appealing style that was accessible to the average listener. Mann could also be described as one of the first “world” musicians; his sensitivity for non-Western musical forms, evidenced by his ability to integrate them into work that could be easily appreciated by a largely Western audience while still retaining the essential characteristics of its origin, has few parallels among the other musicians of his generation.

Source: James Nadal

///////

Biografía

El mundo, según el flautista y compositor Herbie Mann, era un paraíso musical utópico donde el jazz se compone de música afrocubana, de Oriente Medio, de R&B y de casi cualquier otro tipo de música. En la década de 1960, descubrió la bossa-nova de Brasil; en la década de 1970, incluso encontró ritmos de discoteca en el jazz.

A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos del jazz, cuando Mann comenzó a tocar la flauta en la década de 1940 no tenía antepasados de los que aprender, ni pioneros de la flauta de jazz a los que idolatrar. Se vio obligado a buscar en otros lugares, tanto dentro como fuera del jazz, para desarrollar su enfoque del jazz y la flauta. Entre las numerosas influencias musicales, Mann se sintió particularmente atraído por los ritmos y melodías de América del Sur y el Caribe.

Herbie Mann nació Herbert Jay Solomon en Brooklyn, Nueva York, el 16 de abril de 1930. A principios de su infancia, Mann estaba tan cautivado por el ritmo que quería ser un baterista. En cambio, un primo de su madre lo convenció de que tocara el clarinete.

En 1948, Mann comenzó a servir cuatro años en el ejército y mientras estaba destinado en Trieste, Italia, comenzó a tocar el saxofón en la banda militar. Después de su baja del servicio, vio una escena de jazz rebosante de saxofonistas y se echó atrás con su segundo instrumento, la flauta. Cuando el acordeonista holandés, Mat Matthews, le dijo que buscaba un flautista de jazz para el primer álbum de la entonces desconocida Carmen McRae, Herbie aprovechó inmediatamente la oportunidad y pasó días "woodshedding" antes de entrar en el estudio. Con esta oportunidad pudo distinguirse de otros músicos como flautista de jazz, que eran pocos.

En 1954, Mann lanzó su primer álbum para Bethlehem Records, "Herbie Mann Plays". Aunque en ese momento estaba tocando con innovadores del bebop como el bajista Milt Hinton, los bateristas Art Blakey y Kenny Clarke, y el pianista Tommy Flanagan, Mann nunca se sintió realmente cómodo tocando bebop de frente. A medida que empezó a introducir elementos de no jazz en su sonido, la flauta de Mann empezó a sonar más dura y agresiva.

Tres años después, Mann hizo el primero de tres álbumes para Verve Records, titulado "La flauta mágica de Herbie Mann". El álbum presentó "The Evolution of Mann", que se convirtió en un éxito instantáneo en la radio gracias al disc jockey neoyorquino "Symphony Sid" Torin. Mann formó entonces una banda afrocubana con percusionistas como Rudy Collins, Ray Mantilla y Carlos "Patato" Valdez, todos de la legendaria Orquesta Machito de Cuba. Debido a que Mann pudo pagar a los percusionistas más dinero del que ganaban con las otras orquestas latinas, se creó una brecha entre Mann y muchos de los otros directores de orquesta latinos. Con el tiempo, el interés de Mann en el jazz afrocubano le llevó a la fuente de la música: África. En 1959, el Departamento de Estado de los Estados Unidos financió un viaje para que Mann visitara África, después de haber escuchado su versión de "African Suite".

Después de su viaje a África, Mann se trasladó a Atlantic Records y publicó "Common Ground (1960)", que abarcaba un sentido más amplio de la diáspora musical africana. La banda de Mann incluía músicos de Puerto Rico, Nigeria y otros países. Este elemento rítmico añadido aumentó la popularidad de Herbie y la lista de percusionistas latinos que tocaron con él a finales de los años 50 y 60 se lee como un Who's Who del género: Candido, Ray Barretto, Olatunji, Potato Valdes, Willie Bobo y otros. El público de todo el mundo amaba este sonido.

Mann grabó un álbum en vivo en el club de jazz Village Gate de la ciudad de Nueva York en 1961, el conjunto incluía "Comin' Home Baby" que se convirtió en el primer gran éxito de Mann. La inmensa popularidad de "At the Village Gate" hizo de Mann una verdadera superestrella.

No contento con dormirse en sus laureles, Mann se forjó en un nuevo territorio. Inspirado por el clásico brasileño Black Orpheus, Mann convenció a su manager Monte Kay para que le reservara un viaje a Brasil, aunque apenas era conocido allí. Mann regresó a los EE.UU. transformado por la música que había escuchado en Brasil, con la intención de hacer un álbum de jazz brasileño. Aunque el guitarrista Charlie Byrd y el saxofonista Stan Getz ya habían conseguido un gran éxito en 1962 con su álbum de jazz brasileño, "Jazz Samba", Mann no quedó impresionado. Su respuesta, también publicada en 1962, fue "Do The Bossa Nova", con más de lo real: músicos brasileños como Sergio Mendes, el guitarrista Baden Powell, y el pianista y arreglista Antonio Carlos Jobim.

Después de que la locura de la bossa-nova siguiera su curso, Mann se aventuró en la música de Oriente Medio, lo que dio lugar al álbum de 1966, "Impressions of the Middle East". Dos años más tarde, Mann profundizó en otro género: el rhythm & blues. Mientras estaba en Londres, escuchó el éxito de Willie Mitchell en Hi Records, "Mercy" y como había hecho con su exploración de la música afrocubana, Mann fue directamente a la fuente: Memphis, Tennesee.

Después de absorber los sonidos de Stax y Hi Records de Memphis, Mann sacó el álbum de soul-jazz "Memphis Underground"; se convirtió en el disco más vendido de su vida. La música apta para la radio y el explosivo trabajo en solitario de R&B del guitarrista Sonny Sharrock en el disco enfurecieron de nuevo a los críticos de jazz.

Tras el gran éxito de "Memphis Underground", Mann siguió explorando el R&B y su primo lejano, el disco. En 1969, Atlantic permitió a Mann crear su propio sello, Embryo. Mann lanzó el álbum sexualmente cargado Push Push, en 1971, generando una importante controversia sobre la sugerente portada del álbum: una Mann desnuda posando seductoramente con la flauta en la mano.

A lo largo de la década de 1970, Mann creó más distancia entre él y el establecimiento del jazz al grabar álbumes de reggae, disco, rock británico y música japonesa. Cuando grabó "Discoteca", apenas tenía un público de jazz. A lo largo de los años 80, Mann permaneció en el olvido en lo que se refiere al jazz. Sin embargo, hacia el final de este período de diez años, formó un grupo, Jasil Brazz, y una vez más restableció su base musical en los fértiles sonidos de su amado Brasil. Produjo dos discos, "Jasil Brazz" y "Opalescence", con los guitarristas brasileños Romero Lubambo y Ricardo Silveira. Durante los "cambios" del sello, conservó los derechos de estas grabaciones y en 1992 formó su propio sello, Kokopelli Music. Lanzó el sello con el lanzamiento de "Deep Pocket", una grabación de soul/jazz con Les McCann, Cornell Dupree, David Newman y Chuck Rainey.

Dos años más tarde, Herbie se asoció con Kokopelli Music y se expandió a Kokopelli Records. Este año y medio la empresa produjo casi una docena de grabaciones, incluyendo "Peace Pieces" de Herbie, un tributo a la música de Bill Evans, con el guitarrista Bruce Dunlap, Eddie Gómez y Randy Brecker.

Herbie lanzó dos álbumes con el sello Lightyear en la semana de celebración de su 65 cumpleaños en 1995. Las grabaciones, "Celebration" y "America Brasil", presentan a muchos de sus viejos amigos y compañeros musicales de su pasado, incluyendo a David "Fathead" Newman, Dave Valentin, Ron Carter, Billy Taylor, Tito Puente, Randy Brecker, Claudio Roditi y otros.

En 1997 se le diagnosticó un cáncer de próstata inoperable, y la enfermedad finalmente le quitó la vida el 1 de julio de 2003.

La carrera de Herbie Mann no se presta a una fácil caracterización. Sin embargo, al mismo tiempo, su trabajo grabado dice mucho sobre su capacidad de fusionar formas muy variadas en un estilo coherente y atractivo que era accesible para el oyente medio. Mann también podría describirse como uno de los primeros músicos "mundiales"; su sensibilidad por las formas musicales no occidentales, que se pone de manifiesto en su capacidad para integrarlas en una obra que podía ser fácilmente apreciada por un público mayoritariamente occidental, conservando al mismo tiempo las características esenciales de su origen, tiene pocos paralelismos con los demás músicos de su generación.

Fuente: James Nadal

Herbie Mann • African Suite

 

A confusing title, but a wonderful little record! The album's as much a Herbie Mann Latin session as it is a record by Johnny Rae – which is probably why the album's titled as such – and the group on the set features Rae on vibes, Herbie on flute, Jack Six on bass, Philly Joe Jones on drums, Bobby Corwin on piano, and Jose Mangual, Patato Valdes, and Victor Pantoja on an assortment of Latin and African percussion. The groove is tremendous – Latinized jazz, but with a real tension between the heavy percussion on the bottom and the ligher flute and vibes on the top – especially on the album's more tribal, African-styled numbers. The suite features 7 tracks in all – 5 composed by Herbie (Sorimao, Beouin, Sudan, Ekunda, Guinean), plus a version of Sonny Rollins' St Thomas, and the track Jungle Fantasy by Noro Morales.

 

///////

 

¡Un título confuso, pero un maravilloso disco! El álbum es tanto una sesión latina de Herbie Mann como un disco de Johnny Rae - que es probablemente la razón por la que el álbum se titula así - y el grupo en el set presenta a Rae en el vibráfono, Herbie en la flauta, Jack Six en el bajo, Philly Joe Jones en la batería, Bobby Corwin en el piano, y José Mangual, Patato Valdés y Víctor Pantoja en una variedad de percusión latina y africana. El ritmo es tremendo - jazz latinizado, pero con una tensión real entre la percusión pesada en el fondo y la flauta más ligera y las vibraciones en la parte superior - especialmente en los números más tribales del álbum, de estilo africano. La suite incluye 7 temas en total - 5 compuestos por Herbie (Sorimao, Beouin, Sudan, Ekunda, Guinean), además de una versión de St Thomas de Sonny Rollins, y el tema Jungle Fantasy de Noro Morales.

 

 

Jethro Tull • Living in the Past

 

Biography by Timothy Monger
English progressive rock giants Jethro Tull are a unique phenomenon in popular music history. Their mix of heavy rock, flute-led folk melodies, blues licks, surreal, impossibly dense lyrics, and overall profundity defies easy analysis, yet in their 1970s heyday, they garnered a massive level of commercial success, notching a string of gold and platinum records and securing their place within the classic rock canon with releases like Aqualung (1971), Thick as a Brick (1972), and A Passion Play (1973). Even as critics cooled on them, Tull remained popular through later phases with their folk-rock records of the late '70s, the electronic experimentation of the early '80s, and eventually a Grammy Award-winning return to hard rock with 1987's Crest of a Knave. Led by enigmatic frontman Ian Anderson -- a singer, songwriter, guitarist, and rock's premier flutist -- Tull carried their unique amalgam with varying degrees of success into the 21st century with a 2003 Christmas album and a barrage of compilations and anniversary releases. Aside from Anderson, guitarist Martin Barre was the only other longtime member involved in most of the band's lineups and when the two parted ways in 2011, the group went on hiatus. After reviving a new version of Tull to commemorate their 50th anniversary in 2018, Anderson took the band back into the studio for a pair of late-period albums, 2022's The Zealot Gene and 2023's RökFlöte.

Jethro Tull's roots lay in the British blues boom of the late '60s. Anderson's family moved from Edinburgh to Blackpool in 1960 where he met future bandmates bassist Jeffrey Hammond-Hammond (later, simply Hammond) and keyboardist John Evans. Along with a guitarist named Michael Stephens, their first band was called the Blades -- named after James Bond's club -- who played a mix of jazzy blues and soulful dance music on the Northern club circuit. In 1965, they changed their name to the John Evan Band (Evan having dropped the "s" in his name at Hammond's suggestion) and later the John Evan Smash. By the end of 1967, Glenn Cornick had replaced Hammond on bass and the group moved to Luton in order to be closer to the center of the music scene in London. The band began to fall apart when Anderson and Cornick met guitarist/singer Mick Abrahams and drummer Clive Bunker, who had previously played together in the Toggery Five and were now members of a local blues band called McGregor's Engine.

In December of 1967, the four of them agreed to form a new group and began playing two nights a week, trying out different names, including Navy Blue and Bag of Blues. One of the names, Jethro Tull, was borrowed from an 18th century farmer/inventor and proved popular enough to stick. In early 1968, they cut a pop-folk single called "Sunshine Day," which MGM Records released under the misprinted name Jethro Toe. While the single went nowhere, the band managed to land a residency at the Marquee Club in London, where they began to attract attention. By this point Anderson had begun playing the flute, a unique, though divisive element among blues purists. Likewise, his on-stage antics -- jumping around in a ragged overcoat and standing on one leg while playing the flute -- and his use of folk sources as well as blues and jazz set Tull apart from their contemporaries. It also created something of a power struggle between Anderson and Abrahams, a hardcore blues enthusiast who idolized British blues godfather Alexis Korner. In June 1968 Jethro Tull opened for Pink Floyd at the first free rock festival in London's Hyde Park, and in August they were the hit of the Sunbury Jazz & Blues Festival in Sunbury-on-Thames. Within a month, the band had signed to Island Records which released their debut album, This Was, in November. By this time, Anderson was the dominant member of the group on-stage, and at the end of the month Abrahams left to form a new band, Blodwyn Pig. Tull went through two hastily recruited and rejected replacements, future Black Sabbath guitarist Tony Iommi (who was in Tull for a week, just long enough to show up for their appearance on the Rolling Stones' Rock 'N Roll Circus extravaganza), and Davy O'List, former guitarist with the Nice. Finally, Martin Barre, a former architecture student, became the band's new guitarist.

In May 1969, following tours with Jimi Hendrix and Led Zeppelin, Tull scored a number three U.K. hit with "Living in the Past." The single served as Barre's first recording with the group and they subsequently made their Top of the Pops debut. Released in July of that year, their second album, Stand Up, topped the U.K. charts and made it to number 20 in the U.S., effectively launching their mainstream career. With all of its material (except "Bourée," which was composed by Johann Sebastian Bach) written by Anderson, it marked a move away from Tull's blues origins, taking a more eclectic approach that also included orchestrations by future member David Palmer. Meanwhile, "Sweet Dream," issued in November, rose to number seven in England, and was the group's first release on Chrysalis, the new label formed by band managers Chris Wright and Terry Ellis. Their next single, "The Witch's Promise" reached number four in England in January of 1970. Released a few months later, Tull's third album, Benefit, marked their last look back at the blues, and was the first to feature John Evan, Anderson's longtime friend and former bandmate, on piano and organ. Benefit reached the number three spot in England, and ascended to number 11 in the U.S. Songs like "Teacher" and "Sossity; You're a Woman," formed a key part of Tull's stage repertory as they transitioned into a major touring draw on both sides of the Atlantic.

At the end of 1970, Cornick left the group and was replaced on bass by another of Anderson's former bandmates, Jeffrey Hammond-Hammond. Early the following year, they began working on what would prove to be, for many fans, their magnum opus, Aqualung. Anderson's writing had been moving in a more serious direction since the group's second album, but it was with Aqualung that he found the lyrical voice he'd been seeking. Released in March 1971 and split into two halves (subtitled Aqualung and My God), it introduced the progressive element -- along with searing hard rock passages and acoustic folk influences -- that would define much of Tull's early-'70s output. Its standouts included the hard-driving title cut and "Locomotive Breath" along with the folky "Mother Goose." The album's opinions on organized religion and themes of alienation struck a chord with listeners in the U.K. and in the U.S., where it became their first to achieve gold certification.

Not long after its release, Bunker was replaced on drums by yet another of Anderson's pre-Tull associates, Barriemore Barlow, who made his debut on 1972's Thick as a Brick. Irritated by critics who insisted on calling Aqualung a concept album (it was not), Anderson countered with Thick as a Brick, a parody of the concept album consisting of a single 43-minute track. Loaded with surreal imagery, Monty Python-inspired humor, and social commentary, it topped the charts in the U.S, Canada, and Australia, while reaching number five in the U.K. With Tull's heightened fame came rising demand for their work and Chrysalis responded with Living in the Past, a double-album anthology culled from their various singles, EPs, early albums, and a Carnegie Hall show. A double-album project of new material was attempted at Château d'Hérouville, a French studio then popular with the Rolling Stones and Elton John, but they soon abandoned the sessions and recorded their next LP, 1973's A Passion Play, in England. Like Thick as a Brick, it was conceived as a single-track concept album steeped in fantasy and religious imagery, and included a spoken word story narrated by Hammond called "The Hare That Lost His Spectacles." Despite critical backlash for its obscure lyrical references and excessive length, the album again reached number one in America (yielding a number eight single edited from the extended piece) and number 13 in England. As Jethro Tull's sold-out American tour commenced, the negative reviews increased with critics lambasting the band for their long (two-and-a-half hours) and overwrought stage shows, to the point that a frustrated Anderson soon shut himself away from the press entirely. The lack of positive press did little to deter fans from supporting their seventh album, War Child, which reached number two in the U.S. and went platinum. Conceived as part of a film project that never materialized, War Child was released in November 1974 and marked the group's return to conventional-length songs, and spawned a charting hit in "Bungle in the Jungle." That same year, Anderson produced Now We Are Six, the sixth album by U.K. folk-rock group and Chrysalis labelmates Steeleye Span. The English folk-rock scene would prove to be an influence on his own writing, especially in the latter years of the decade. The next Tull album, 1975's Minstrel in the Gallery took cues from Elizabethan minstrelsy, pairing rock and English folk in an eclectic way that harkened back to Aqualung. At this point the band's American success still outweighed their popularity at home, though they were trending downward on both charts.

The Jethro Tull lineup had been remarkably stable ever since Clive Bunker's post-Aqualung exit, remaining constant across four albums in as many years. In January of 1976, however, Hammond left the band to pursue a career in art. His replacement, John Glascock, joined in time for the recording of 1976's Too Old to Rock 'n Roll, Too Young to Die, an album made up partly of songs from an unproduced play proposed by Anderson and Palmer. The group later did an ITV special built around the album's songs, and the title track featured guest vocals from Steeleye Span frontwoman Maddy Prior. After achieving a moderate hit in late 1976 with the Christmas-themed EP Ring Out, Solstice Bells, Tull moved into their folk-rock phase with 1977's Songs from the Wood. More artistically unified and successful than their previous two releases, it reflected Anderson's passion for English folk songs. To celebrate its release, they undertook their first British tour in nearly three years. In May of that year, longtime collaborator and orchestrator David Palmer joined as a full-time member, playing keyboards. 1978's Heavy Horses continued in the folk-rock vein and was Anderson's most personal work in several years, its title track expressing his regret over the disappearance of England's huge shire horses as casualties of modernization. Later in the year, Tull's first full-length concert album, the double-LP Bursting Out: Jethro Tull Live, was released to modest success, accompanied by a tour of the United States and an international television broadcast from Madison Square Garden. 1979 proved to be both pivotal and tragic for the group. On November 17, bassist John Glascock died from complications of heart surgery, barely a month after the release of their 12th album Stormwatch. Longtime Fairport Convention bassist Dave Pegg stepped in to fill his shoes, but after the album's tour, there was something of a mass exodus, with Palmer, Evan, and Barlow all leaving the band.

The '80s began with Anderson attempting his first solo record. Backed by Barre, Pegg, and Mark Craney on drums, with multi-instrumentalist Eddie Jobson on violin, the ensuing album, A, saw release in September, though at the behest of Chrysalis, it was credited to Jethro Tull rather than Anderson. The new version of Tull toured in support of the album, which was more electronic and synth-driven than anything they'd previously made. Jobson left once the tour was over, and it was with yet another new lineup -- including Barre, Pegg, Fairport/Fotheringay alumnus Gerry Conway (drums) and Peter-John Vettesse (keyboards) -- that The Broadsword and the Beast was recorded in 1982. Although this album had many songs based on folk melodies, it again relied increasingly on the use of synthesizers. In 1983, Anderson finally made his first official solo album, Walk Into Light, which took him more fully into electronic mode. Following its lackluster performance, Anderson revived Jethro Tull for 1984's Under Wraps. The album's poor chart performance was partly a consequence of Anderson's developing a throat infection that forced the postponement of much of their planned tour. Still battling intermittent throat issues, Anderson and the group appeared on a German television special in March of 1985 and participated in a presentation of their work by the London Symphony Orchestra. To make up for the shortfall of new releases, Chrysalis released another compilation, Original Masters, a collection of highlights of the group's work, in late 1985 followed a year later by the orchestral A Classic Case: The London Symphony Orchestra Plays the Music of Jethro Tull.

With the 1987 release of their next album, Crest of a Knave, the band's fortunes began to shift. It performed surprisingly well on the charts, reaching number 19 in England and number 32 in America with the support of a world tour. Moreover, Crest of a Knave became something of a watershed in Tull's later history, though few would have guessed it at the time of its release. Bearing the sonic hallmarks of the era, the album was a mix of slickly produced hard and soft rock with plenty of synthesizers and occasional folk-rock touches. The following year, Tull toured the United States as part of their 20th anniversary celebration which also included the release of a career-spanning 65-song box set, 20 Years of Jethro Tull. In a surprise upset at the 1989 Grammy Awards, Tull beat out the heavily favored Metallica, winning Best Hard Rock/Metal Performance for Crest of a Knave. Capitalizing on their revival, they delivered the similarly styled Rock Island later that year which reached a healthy number 18 in England while peaking at 56 in America, despite a six-week U.S. tour to support the album.

Tull kicked off the next decade with 1991's Catfish Rising, followed a year later by And a Little Light Music, an acoustic live album that tapped into the then-prevalent unplugged fad. Despite declining numbers, the band continued playing to good-sized houses when they toured, and their catalog as a whole performed extremely well. In 1993, they celebrated their quarter-century mark with another anthology, the four-disc 25th Anniversary Box Set, which featured remixed versions of their hits, live shows from across their history, and a handful of new songs. Meanwhile, Anderson continued to write and record music apart from the group on occasion, most notably Divinities: Twelve Dances with God, a classically oriented solo album on EMI's classical imprint Angel Records. Moving into a more globally inspired phase, Tull issued Roots to Branches in 1995. Its fusion of rock and jazz with Arabic and Indian influences sat well with critics and they continued in this mode on 1999's similarly themed J-Tull.Dot.Com, their 20th studio outing. On the latter album, Pegg was replaced by incoming bassist Jonathan Noyce and both albums featured keyboardist Andrew Giddings.

In 2002, a one-off reunion of the band's original 1968 lineup (Anderson, Abrahams, Cornick, and Bunker) took place at a pub in England and was filmed for the DVD release Living with the Past. A year later, the contemporary Tull lineup (Anderson, Barre, Noyce, Giddings, and Perry) recorded what would be their final release together, The Jethro Tull Christmas Album. A collection of holiday songs both old and new, it turned out to be the group's biggest seller since Crest of a Knave, though it would also be their last studio album for nearly two decades. Meanwhile, Anderson continued to play live, both on his own and with the latter-day lineup who toured the entire Aqualung album in 2004 and released the concert album Aqualung Live. They also dug into the vaults and released Nothing Is Easy: Live at the Isle of Wight 1970 as well as the live compilation The Best of Acoustic Jethro Tull. Finally, in 2011, the long-lasting partnership of Anderson and Barre was severed and the two went their separate ways.

Barre put together his own touring group, Martin Barre's New Day, while Anderson forged ahead as a solo artist, though he never strayed far from the Tull oeuvre. His first project was an ambitious 2012 sequel to Thick as a Brick, simply titled Thick as a Brick 2. It was followed in 2014 by another Thick as a Brick-related collection of new material, Homo Erraticus. He also toured a new project, Jethro Tull: The Rock Opera, that involved reworked older songs along with new material written about the band's namesake, agriculturist Jethro Tull. In 2018, another milestone anniversary was honored with the compilation 50 for 50, which celebrated the group's 50th anniversary. Anderson continued to flirt with a possible Tull reunion, and at the end of 2019, he announced a U.K. tour titled The Prog Years, which was attributed to Ian Anderson & the Jethro Tull Band. The plans were subsequently canceled in early 2020 at the start of the global pandemic lockdowns. During this period, Anderson continued to record new material, which in 2022 was revealed to be The Zealot Gene, an album credited to Jethro Tull. Their first album of all-new material since 1999's J-Tull.Dot.Com, it saw Anderson joined by guitarist Florian Opahle, bassist David Goodier, keyboardist John O'Hara, and drummer Scott Hammond. A follow-up album, RökFlöte, arrived one year later with mostly the same lineup, minus Opahle, who had been replaced by guitarist Joe Parrish-James.
https://www.allmusic.com/artist/jethro-tull-mn0000850692#biography

///////

Biografía de Timothy Monger
Los gigantes ingleses del rock progresivo Jethro Tull son un fenómeno único en la historia de la música popular. Su mezcla de rock pesado, melodías folclóricas dirigidas por flauta, blues, letras surrealistas, imposiblemente densas y profundidad general desafía el análisis fácil, sin embargo, en su apogeo de la década de 1970, obtuvieron un gran nivel de éxito comercial, obteniendo una serie de discos de oro y platino y asegurando su lugar dentro del canon del rock clásico con lanzamientos como Aqualung (1971), Thick as a Brick (1972) y A Passion Play (1973). Incluso cuando los críticos se enfriaron con ellos, Tull siguió siendo popular en fases posteriores con sus discos de folk-rock de finales de los 70, la experimentación electrónica de principios de los 80 y, finalmente, un regreso ganador del Premio Grammy al hard rock con Crest of a Knave de 1987. Liderado por el enigmático líder Ian Anderson, cantante, compositor, guitarrista y flautista principal del rock, Tull llevó su amalgama única con diversos grados de éxito al siglo XXI con un álbum navideño de 2003 y un aluvión de compilaciones y lanzamientos de aniversario. Aparte de Anderson, el guitarrista Martin Barre era el único otro miembro veterano involucrado en la mayoría de las formaciones de la banda y cuando los dos se separaron en 2011, el grupo hizo una pausa. Después de revivir una nueva versión de Tull para conmemorar su 50 aniversario en 2018, Anderson llevó a la banda de regreso al estudio para un par de álbumes de finales del período, The Zealot Gene de 2022 y RökFlöte de 2023.

Las raíces de Jethro Tull se encuentran en el boom del blues británico de finales de los 60. La familia de Anderson se mudó de Edimburgo a Blackpool en 1960, donde conoció al futuro bajista de su banda Jeffrey Hammond-Hammond (más tarde, simplemente Hammond) y al tecladista John Evans. Junto con un guitarrista llamado Michael Stephens, su primera banda se llamó The Blades, llamada así por el club de James Bond, que tocaba una mezcla de blues jazzístico y música dance conmovedora en el circuito de clubes del Norte. En 1965, cambiaron su nombre a John Evan Band (Evan dejó caer la "s" en su nombre por sugerencia de Hammond) y más tarde a John Evan Smash. A finales de 1967, Glenn Cornick había reemplazado a Hammond en el bajo y el grupo se mudó a Luton para estar más cerca del centro de la escena musical de Londres. La banda comenzó a desmoronarse cuando Anderson y Cornick conocieron al guitarrista/cantante Mick Abrahams y al baterista Clive Bunker, quienes previamente habían tocado juntos en Toggery Five y ahora eran miembros de una banda de blues local llamada McGregor's Engine.

En diciembre de 1967, los cuatro acordaron formar un nuevo grupo y comenzaron a tocar dos noches a la semana, probando diferentes nombres, incluidos Navy Blue y Bag of Blues. Uno de los nombres, Jethro Tull, fue tomado de un granjero / inventor del siglo XVIII y resultó lo suficientemente popular como para quedarse. A principios de 1968, lanzaron un sencillo pop-folk llamado "Sunshine Day", que MGM Records lanzó bajo el nombre mal impreso de Jethro Toe. Si bien el sencillo no llegó a ninguna parte, la banda logró obtener una residencia en el Marquee Club de Londres, donde comenzaron a llamar la atención. En este punto, Anderson había comenzado a tocar la flauta, un elemento único, aunque divisivo, entre los puristas del blues. Asimismo, sus payasadas en el escenario, saltando con un abrigo andrajoso y parándose sobre una pierna mientras tocaba la flauta , y su uso de fuentes folclóricas, así como de blues y jazz, diferenciaron a Tull de sus contemporáneos. También creó una especie de lucha de poder entre Anderson y Abrahams, un entusiasta del blues hardcore que idolatraba al padrino del blues británico Alexis Korner. En junio de 1968, Jethro Tull abrió para Pink Floyd en el primer festival de rock gratuito en Hyde Park de Londres, y en agosto fueron el éxito del Festival de Jazz y Blues de Sunbury en Sunbury-on-Thames. En un mes, la banda había firmado con Island Records, que lanzó su álbum debut, This Was, en noviembre. Para entonces, Anderson era el miembro dominante del grupo en el escenario, y a fines de mes Abrahams se fue para formar una nueva banda, Blodwyn Pig. Tull pasó por dos reemplazos reclutados apresuradamente y rechazados, el futuro guitarrista de Black Sabbath Tony Iommi (que estuvo en Tull durante una semana, el tiempo suficiente para aparecer en el espectáculo de circo Rock ' N Roll de los Rolling Stones) y Davy O'List, ex guitarrista de the Nice. Finalmente, Martin Barre, un ex estudiante de arquitectura, se convirtió en el nuevo guitarrista de la banda.

En mayo de 1969, después de giras con Jimi Hendrix y Led Zeppelin, Tull obtuvo un éxito número tres en el Reino Unido con "Living in the Past."El sencillo sirvió como la primera grabación de Barre con el grupo y posteriormente hicieron su debut en Top of the Pops. Lanzado en julio de ese año, su segundo álbum, Stand Up, encabezó las listas del Reino Unido y llegó al número 20 en los EE.UU., lanzando efectivamente su carrera comercial. Con todo su material (excepto "Bourée", que fue compuesto por Johann Sebastian Bach) escrito por Anderson, marcó un alejamiento de los orígenes del blues de Tull, adoptando un enfoque más ecléctico que también incluyó orquestaciones del futuro miembro David Palmer. Mientras tanto, "Sweet Dream", publicado en noviembre, subió al número siete en Inglaterra, y fue el primer lanzamiento del grupo en Chrysalis, el nuevo sello formado por los gerentes de la banda Chris Wright y Terry Ellis. Su siguiente sencillo," The Witch's Promise", alcanzó el número cuatro en Inglaterra en enero de 1970. Lanzado unos meses después, el tercer álbum de Tull, Benefit, marcó su última mirada retrospectiva al blues y fue el primero en presentar a John Evan, amigo de Anderson desde hace mucho tiempo y excompañero de banda, al piano y al órgano. Benefit alcanzó el puesto número tres en Inglaterra y ascendió al número 11 en los EE.UU. Canciones como "Teacher" y "Sossity; You're a Woman" formaron una parte clave del repertorio escénico de Tull a medida que pasaban a ser un gran atractivo de gira a ambos lados del Atlántico.

A finales de 1970, Cornick dejó el grupo y fue reemplazado en el bajo por otro de los excompañeros de Anderson, Jeffrey Hammond-Hammond. A principios del año siguiente, comenzaron a trabajar en lo que resultaría ser, para muchos fanáticos, su obra maestra, Aqualung. La escritura de Anderson se había estado moviendo en una dirección más seria desde el segundo álbum del grupo, pero fue con Aqualung que encontró la voz lírica que había estado buscando. Lanzado en marzo de 1971 y dividido en dos mitades (subtitulado Aqualung y My God), introdujo el elemento progresivo, junto con pasajes abrasadores de hard rock e influencias acústicas folclóricas, que definirían gran parte de la producción de Tull a principios de los 70. Sus aspectos más destacados incluyeron el corte del título de conducción dura y "Locomotive Breath" junto con el folky "Mother Goose."Las opiniones del álbum sobre la religión organizada y los temas de alienación tocaron la fibra sensible de los oyentes en el Reino Unido y en los EE. UU., donde se convirtió en el primero en lograr la certificación de oro.

No mucho después de su lanzamiento, Bunker fue reemplazado en la batería por otro de los asociados anteriores a Anderson, Barriemore Barlow, quien hizo su debut en Thick as a Brick de 1972. Irritado por los críticos que insistieron en llamar a Aqualung un álbum conceptual( no lo era), Anderson respondió con Thick as a Brick, una parodia del álbum conceptual que consistía en una sola pista de 43 minutos. Cargado de imágenes surrealistas, humor inspirado en Monty Python y comentarios sociales, encabezó las listas de éxitos en los EE. UU., Canadá y Australia, mientras que alcanzó el número cinco en el Reino Unido. Con la mayor fama de Tull llegó una creciente demanda de su trabajo y Chrysalis respondió con Living in the Past, una antología de doble álbum extraída de sus diversos sencillos, EPs, primeros álbumes y un espectáculo en el Carnegie Hall. Se intentó un proyecto de doble álbum de nuevo material en Château d'Hérouville, un estudio francés entonces popular entre los Rolling Stones y Elton John, pero pronto abandonaron las sesiones y grabaron su siguiente LP, A Passion Play de 1973, en Inglaterra. Como Thick as a Brick, fue concebido como un álbum conceptual de una sola pista impregnado de fantasía e imágenes religiosas, e incluía una historia de palabra hablada narrada por Hammond llamada "La Liebre Que perdió Sus Anteojos"."A pesar de la reacción crítica por sus oscuras referencias líricas y su excesiva duración, el álbum volvió a alcanzar el número uno en Estados Unidos (obteniendo un sencillo número ocho editado de la pieza extendida) y el número 13 en Inglaterra. Cuando comenzó la gira estadounidense con entradas agotadas de Jethro Tull, las críticas negativas aumentaron y los críticos criticaron a la banda por sus largos (dos horas y media) y exagerados espectáculos teatrales, hasta el punto de que Anderson, frustrado, pronto se alejó por completo de la prensa. La falta de prensa positiva hizo poco para disuadir a los fanáticos de apoyar su séptimo álbum, War Child, que alcanzó el número dos en los EE.UU. y fue platino. Concebido como parte de un proyecto cinematográfico que nunca se materializó, War Child fue lanzado en noviembre de 1974 y marcó el regreso del grupo a las canciones de duración convencional, y generó un éxito en las listas de éxitos en "Bungle in the Jungle."Ese mismo año, Anderson produjo Now We Are Six, el sexto álbum del grupo de folk-rock del Reino Unido y sus compañeros de sello Chrysalis Steeleye Span. La escena folk-rock inglesa resultaría ser una influencia en su propia escritura, especialmente en los últimos años de la década. El siguiente álbum de Tull, Minstrel in the Gallery de 1975, tomó señales de la juglaría isabelina, combinando rock y folk inglés de una manera ecléctica que se remontaba a Aqualung. En este punto, el éxito estadounidense de la banda aún superaba su popularidad en casa, aunque tenían una tendencia a la baja en ambas listas.

La formación de Jethro Tull había sido notablemente estable desde la salida posterior a Aqualung de Clive Bunker, manteniéndose constante en cuatro álbumes en otros tantos años. Sin embargo, en enero de 1976, Hammond dejó la banda para seguir una carrera artística. Su reemplazo, John Glascock, se unió a tiempo para la grabación de Too Old to Rock ' n Roll, Too Young to Die de 1976, un álbum compuesto en parte por canciones de una obra de teatro no producida propuesta por Anderson y Palmer. Más tarde, el grupo hizo un especial de ITV basado en las canciones del álbum, y la canción principal contó con la voz invitada de la líder de Steeleye Span, Maddy Prior. Después de lograr un éxito moderado a fines de 1976 con el EP navideño Ring Out, Solstice Bells, Tull pasó a su fase de folk-rock con Songs from the Wood de 1977. Más artísticamente unificado y exitoso que sus dos lanzamientos anteriores, reflejó la pasión de Anderson por las canciones folclóricas inglesas. Para celebrar su lanzamiento, realizaron su primera gira británica en casi tres años. En mayo de ese año, el colaborador y orquestador David Palmer se unió como miembro de tiempo completo, tocando los teclados. Heavy Horses de 1978 continuó en la vena folk-rock y fue el trabajo más personal de Anderson en varios años, su canción principal expresaba su pesar por la desaparición de los enormes caballos shire de Inglaterra como víctimas de la modernización. Más tarde ese año, el primer álbum de conciertos de larga duración de Tull, el doble LP Bursting Out: Jethro Tull Live, fue lanzado con un éxito modesto, acompañado de una gira por los Estados Unidos y una transmisión televisiva internacional desde el Madison Square Garden. 1979 resultó ser crucial y trágico para el grupo. El 17 de noviembre, el bajista John Glascock murió por complicaciones de una cirugía cardíaca, apenas un mes después del lanzamiento de su duodécimo álbum Stormwatch. Dave Pegg, bajista de Fairport Convention desde hace mucho tiempo, intervino para ocupar su lugar, pero después de la gira del álbum, hubo una especie de éxodo masivo, con Palmer, Evan y Barlow dejando la banda.

Los años 80 comenzaron con Anderson intentando su primer disco en solitario. Respaldado por Barre, Pegg y Mark Craney a la batería, con el multiinstrumentista Eddie Jobson al violín, el álbum subsiguiente, A, se lanzó en septiembre, aunque a instancias de Chrysalis, se le atribuyó a Jethro Tull en lugar de a Anderson. La nueva versión de Tull realizó una gira en apoyo del álbum, que era más electrónico y basado en sintetizadores que cualquier cosa que hubieran hecho anteriormente. Jobson se fue una vez que terminó la gira, y fue con otra nueva formación, incluidos Barre, Pegg, el alumno de Fairport/Fotheringay Gerry Conway (batería) y Peter-John Vettesse (teclados), que The Broadsword and the Beast se grabó en 1982. Aunque este álbum tenía muchas canciones basadas en melodías folclóricas, nuevamente se basó cada vez más en el uso de sintetizadores. En 1983, Anderson finalmente hizo su primer álbum oficial en solitario, Walk Into Light, que lo llevó más al modo electrónico. Tras su mediocre actuación, Anderson revivió a Jethro Tull para Under Wraps de 1984. El pobre desempeño en las listas de éxitos del álbum fue en parte consecuencia de que Anderson desarrolló una infección de garganta que obligó a posponer gran parte de su gira planificada. Aún luchando contra problemas intermitentes de garganta, Anderson y el grupo aparecieron en un especial de televisión alemán en marzo de 1985 y participaron en una presentación de su trabajo por parte de la Orquesta Sinfónica de Londres. Para compensar el déficit de nuevos lanzamientos, Chrysalis lanzó otra compilación, Original Masters, una colección de lo más destacado del trabajo del grupo, a fines de 1985 seguida un año después por la orquestal A Classic Case: La Orquesta Sinfónica de Londres toca la música de Jethro Tull.

Con el lanzamiento en 1987 de su próximo álbum, Crest of a Knave, la suerte de la banda comenzó a cambiar. Tuvo un desempeño sorprendentemente bueno en las listas de éxitos, alcanzando el número 19 en Inglaterra y el número 32 en Estados Unidos con el apoyo de una gira mundial. Además, Crest of a Knave se convirtió en un hito en la historia posterior de Tull, aunque pocos lo habrían adivinado en el momento de su lanzamiento. Con las características sonoras de la época, el álbum fue una mezcla de rock duro y blando hábilmente producido con muchos sintetizadores y toques ocasionales de folk-rock. Al año siguiente, Tull realizó una gira por los Estados Unidos como parte de la celebración de su vigésimo aniversario, que también incluyó el lanzamiento de un box set de 65 canciones que abarcó su carrera, 20 Years of Jethro Tull. En una sorpresa sorpresa en los Premios Grammy de 1989, Tull venció a Metallica, ganando la mejor Interpretación de Hard Rock/Metal por Crest of a Knave. Aprovechando su renacimiento, entregaron Rock Island, de estilo similar, más tarde ese año, que alcanzó un saludable número 18 en Inglaterra, mientras que alcanzó el puesto 56 en Estados Unidos, a pesar de una gira de seis semanas por Estados Unidos para promocionar el álbum.

Tull inició la próxima década con Catfish Rising de 1991, seguido un año después por And a Little Light Music, un álbum acústico en vivo que aprovechó la moda desenchufada entonces predominante. A pesar de la disminución de números, la banda continuó tocando en casas de buen tamaño cuando salieron de gira, y su catálogo en su conjunto funcionó extremadamente bien. En 1993, celebraron su marca de un cuarto de siglo con otra antología, la Caja Recopilatoria del 25 Aniversario de cuatro discos, que incluía versiones remezcladas de sus éxitos, shows en vivo de toda su historia y un puñado de canciones nuevas. Mientras tanto, Anderson continuó escribiendo y grabando música aparte del grupo en ocasiones, sobre todo Divinities: Twelve Dances with God, un álbum en solitario de orientación clásica en el sello clásico Angel Records de EMI. Pasando a una fase de inspiración más global, Tull emitió Roots to Branches en 1995. Su fusión de rock y jazz con influencias árabes e indias sentó bien a los críticos y continuaron de esta manera en 1999 con un tema similar J-Tull.Dot.Com, su vigésima salida de estudio. En este último álbum, Pegg fue reemplazado por el bajista entrante Jonathan Noyce y ambos álbumes contaron con el tecladista Andrew Giddings.

En 2002, se llevó a cabo una reunión única de la formación original de la banda en 1968 (Anderson, Abrahams, Cornick y Bunker) en un pub de Inglaterra y se filmó para el lanzamiento del DVD Living with the Past. Un año después, la formación contemporánea de Tull (Anderson, Barre, Noyce, Giddings y Perry) grabó lo que sería su último lanzamiento juntos, el Álbum Navideño de Jethro Tull. Una colección de canciones navideñas tanto antiguas como nuevas, resultó ser el mayor vendedor del grupo desde Crest of a Knave, aunque también sería su último álbum de estudio en casi dos décadas. Mientras tanto, Anderson continuó tocando en vivo, tanto por su cuenta como con la formación de los últimos días que realizó una gira por todo el álbum Aqualung en 2004 y lanzó el álbum de conciertos Aqualung Live. También cavaron en las bóvedas y lanzaron Nothing Is Easy: Live at the Isle of Wight 1970, así como la compilación en vivo The Best of Acoustic Jethro Tull. Finalmente, en 2011, la asociación duradera de Anderson y Barre se rompió y los dos tomaron caminos separados.

Barre formó su propio grupo de gira, Martin Barre's New Day, mientras que Anderson siguió adelante como solista, aunque nunca se alejó mucho de la obra de Tull. Su primer proyecto fue una ambiciosa secuela de Thick as a Brick de 2012, titulada simplemente Thick as a Brick 2. Le siguió en 2014 otra colección de material nuevo relacionado con Thick as a Brick, Homo Erraticus. También realizó una gira por un nuevo proyecto, Jethro Tull: The Rock Opera, que incluía canciones antiguas reelaboradas junto con nuevo material escrito sobre el homónimo de la banda, el agricultor Jethro Tull. En 2018, se honró otro aniversario histórico con la compilación 50 for 50, que celebró el 50 aniversario del grupo. Anderson continuó coqueteando con una posible reunión de Tull y, a fines de 2019, anunció una gira por el Reino Unido titulada The Prog Years, que se atribuyó a Ian Anderson & the Jethro Tull Band. Posteriormente, los planes se cancelaron a principios de 2020 al comienzo de los cierres pandémicos globales. Durante este período, Anderson continuó grabando nuevo material, que en 2022 se reveló como The Zealot Gene, un álbum acreditado a Jethro Tull. Su primer álbum de material completamente nuevo desde 1999 J-Tull.Dot.Com, vio a Anderson acompañado por el guitarrista Florian Opahle, el bajista David Goodier, el tecladista John O'Hara y el baterista Scott Hammond. Un álbum de seguimiento, RökFlöte, llegó un año después con casi la misma formación, menos Opahle, quien había sido reemplazado por el guitarrista Joe Parrish-James.

jethrotull.com ...